Chroniques CD-DVD

Ce volume 13 documente un tournant dans la carrière de Louis Armstrong. Face au matraquage d’une clique (Leonard Feather, en tête) en faveur d’un nouveau courant, le bebop, allant jusqu’à des propos le discréditant, il lui faut imposer à nouveau son impériale position dans le cœur du grand public et au-dessus "des partis". Nous l’avons vu, c’est l’époque où sort le film New Orleans dont il est la vedette, avec quelques nouveaux "tubes"à la clé comme « Do You Know What It Means to Miss New Orleans » qu’il ne manque pas d’interpréter à la radio (This Is Jazz) et en concert (Town Hall, New York). Ce coffret commence donc par l’émission This Is Jazz, enregistrée le 25 avril (selon Art Hodes, impliqué au piano). Louis y retrouve des musiciens "du pays". Il y a de bonnes choses dans « Do You Know What It Means » (theme-song joué ici pour la promotion du film : à noter le solo en accords de Danny Barker), « Basin Street Blues » (introduction par Georg Brunis, tb) et « High Society » (bon tempo, superbes parties de contrebasse de Pops Foster derrière la clarinette d’Albert Nicholas et fameux drumming de Baby Dodds). Pour nous, le meilleur c’est le bues, lent (« 2 :19 Blues », encore une belle partie de Pops Foster derrière Georg Brunis cette fois) et plus vif (bon tempo, identique à la version du film) pour « Dippermouth Blues » (drumming de Baby Dodds derrière Albert Nicholas !, vigoureux solo de Wild Bill Davison avant la reprise du solo de King Oliver par Louis Armstrong –la pulsation de Pops Foster est irrésistible). Louis Armstrong se montre en très bonne forme, ce qu’il confirme plus encore lors des deux concerts à Town Hall donnés le 17 mai (d’où, peut-être, deux batteurs, Sidney Catlett et George Wettling, et un total de 20 morceaux préservés). Louis Armstrong avait déjà fait un succès à Carnegie Hall le 8 février (Vol.12) dans un répertoire très New Orleans (en compagnie d’Edmund Hall) et l’une des dernières participations de son big band. Ernest Anderson voulait récidiver (contre mille dollars à Joe Glaser). Très pris, Louis Armstrong ne pouvait pas s’occuper du projet. C’est le trompettiste Bobby Hackett qui a recruté un petit orchestre pour Louis, l’objectif étant de recentrer le maître dans le créneau porteur (face au bop) du dit « New Orleans Revival ». Notons qu’il ne s’agit que de musiciens blancs en dehors de Sidney Catlett et avec le recul, on comprend que Louis Armstrong aura plus fait pour l’intégration qu’une multitude d’intellectuels dits engagés. Un tournant donc pour Louis Armstrong qui annonce sa nouvelle position jusqu’à la fin de ses jours. Il qui est conscient de l’enjeu et qui est à 46 ans dans une forme éblouissante à la trompette, va "mouiller la chemise" !
Pas une seconde de déchet. Et en plus, il s’investit au point de débuter par trois titres en quartet et un en duo ! Louis Armstrong commence par une solide version de « Cornet Chop Suey » (belle coda, il est en très grande forme). Après l’introduction de Dick Cary, Louis expose « On Monday Date », laisse le piano s’exprimer (remarquable soutien de Bob Haggart et Catlett) puis délivre un solo où l’on admire ce son plein, ses attaques fermes et ses aigus impériaux. Vient la reprise en duo trompette et piano de « Dear Old Southland » qu’il avait gravé en 1933. La sonorité de Louis est mal enregistrée, mais il n’a aucune faiblesse. Retour au quartet avec la seule gaffe du concert : Dick Cary joue une introduction sur les accords de « On Monday Date ». Louis suit puis constate l’erreur et reprend par un « Big Butter And Eggs Man » sans faille. Ce n’est qu’après cela qu’intervient tout l’orchestre, tout d’abord dans « Struttin’ with SBQ » où Louis mène fermement les ensembles. Jack Teagarden y prend un bon solo (soutien de Catlett !) et au cours du concert s’affirme comme un complice idéal pour Louis. Très bons solos de Teagarden dans « St Louis Blues », « Pennies From Heaven ». Louis Armstrong est éblouissant dans « I Can’t Give You Anything But Love » et le blues lent, « Back O’ Town Blues ». Bobby Hackett, fin styliste, a droit à une intervention dans « Ain’t Misbehavin’ » avant le solo de Teagarden. On apprécie comment Bobby Hackett amène le solo de Louis dans « Rockin’ Chair ». Ce « St James Infirmary » est le seul morceau où Louis ne joue pas, laissant la vedette à Jack Teagarden qui délivre-là un remarquable solo avec sourdine. C’est « Jack-Armstrong Blues » (enregistré avec distorsion) qui termine ce passage clé à Town Hall. Le 21 mai, Louis Armstrong est invité au Morgan Show pour une courte collective sur « Panama » (avec un trombone et un sax ténor) et une version de « The Saints » avec un Grand Orchestre de studio. Puis, c’est une séance pour RCA, le 10 juin. Même front-line qu’à Town Hall (avec Ernie Caceres en plus) et une rythmique de classe (Johnny Guarnieri, p, Al Casey, g, Al Hall, b, Cozy Cole, dm). Le premier titre est une nouvelle version de « Jack-Armstrong Blues » introduite par Guarnieri (style Fats Waller), avant l’ensemble (mené par Bobby Hackett). Puis c’est l’échange chanté entre Teagarden et Armstrong, trois alternatives trombone-trompette des mêmes, une nouvelle intervention chantée de Tea avant l’apothéose de Louis Armstrong à la trompette qui pulvérise tout ce qui se fait sur l’instrument à cette date (boppers compris qui n’ont jamais cette largeur de son et ce panache). La complicité entre Teagarden et Armstrong est désormais bien rodée (« Rockin’ Chair »). C’est ensuite la version de référence de « Someday », belle composition de Louis Armstrong (introduction au celesta, exposé à la trompette –bien enregistrée- et partie chantée de Pops avec une courte intervention de Tea). Nouvelle complicité dans « Fifty-Fifty Blues » (intro de trombone, duo chanté, solo de trompette, puis de trombone, duo chanté et coda menée par Bobby Hackett). On dit souvent qu’Hot Lips Page est l’achetype de la trompette dans le blues, c’est oublier Satchmo. Lors de l’émission radio depuis le Winter Garden Theater le 19 juin, Louis Armstrong est un peu moins en forme à la trompette (petite faiblesse dans la coda de « Dear Old Southland »), d’où la large place laissée à son complice Jack Teagarden : « Basin Street Blues » (beau passage de trompette joué avec retenue de Louis et contre-chant de Jack), « Do You Know What It Means » (très dfférent de Town Hall : introduction de trombone, ensemble mené par Hackett, partie chantée par Louis, solo de très bonne facture de Teagarden et coda de Louis). Il s’agit de la même front-line que pour la séance RCA, avec la même rythmique qu’à Town Hall (sauf Jack Lesberg à la place de Bob Haggart) et donc deux batteurs, Wettling et Catlett (dans « Way Down Yonder » et le « Tiger Rag » final nous semble-t-il). A noter une version différente du disque pour « Someday » avec une introduction de trombone (où il se perd un peu) avant l’exposé de Louis Armstrong. En août, Louis Armstrong est à Hollywood pour les pré-enregistrements de la comédie A Song is Born d’Howard Hawks. Le court « Goldwyn Stomp » qui ressemble à « Flyin’ Home », met en vedette Lionel Hampton et Louis Armstrong (1’26’’). Nous avons ensuite un premier enregistrement (de répétition) de « A Song Was Born » (alias « Goin’ Home », plus de Dvorak que de Raye & DePaul) à des fins promotionnelles à la radio. Louis Armstrong chante avant une succession de solos : Tommy Dorsey (tb, belle technique, maîtrise de la colonne d’air) volontairement "sweet"pour contraster avec celui "hot"de Louis Armstrong (drive, puissance), Charlie Barnet (sax alto et non ténor comme indiqué), Benny Goodman (cl, bien soutenu par Louie Bellson !), Lionel Hampton (vib) et ensemble orchestral très (bien) arrangé octroyant un espace à découvert pour Mel Powell (p) et Louie Bellson (dm) (Louis Armstrong termine avec autorité dans l’aigu). L’autre version commercialisée par RCA-Victor est d’abord chantée (Golden Gate Quartet, puis Jeri Sullivan, puis Armstrong) avant de suivre le schéma de la répétition (le nombre de mesures accordé aux solos instrumentaux a été réduit). Après la dernière séance de Louis Armstrong pour RCA (le 16 octobre), il donne un autre concert historique, à Boston (Symphony Hall), le 30 novembre 1947. Cette fois (sauf Dick Cary à remplacer par Earl Hines), le All-Stars de Louis Armstrong est né : Jack Teagarden (tb, voc), Barney Bigard (cl), Arwell Shaw (b), Sid Catlett (dm) et Velma Middleton (voc). Pas seulement le personnel stable, une routine de programme aussi avec ces "spécialités"qui mettent chaque "star"en vedette, ce qui permet à la principale d’entre-elles de récupérer de la fatigue des lèvres : « Stars Fell On Alabama » (Jack Teagarden), « Tea for Two », « Body And Soul » et « High Society » (Barney Bigard), « Steak Face », « Boff Boff » alias « Mop Mop » (Sidney Catlett), « I Cried for You », « Since I Fell For You » (Velma Middleton). Le concert débute par « Muskrat Ramble » où Louis Armstrong, roi du jazz hot y démontre que l’improvisation n’est pas l’essentiel du genre (toujours le même solo). Dans « Black And Blue » la coda de trompette est fameuse. Belle version de « Mahogany Hall Stomp » (solo de trompette, trombone –belle technique-, piano –bien poussé par Catlett-, contrebasse, avant la reprise avec sourdine du solo historique de Louis –magistralement joué-, la clarinette et la collective finale). Le tempo de « Sunny Side of the Street » est lent. Duo chanté entre Velma Middleton et Louis Armstrong dans « That’s My Desire » : Louis Armstrong conçoit ses concerts comme un spectacle populaire. Belle complicité entre Jack Teagarden (qui assume le chant) et le patron dans « Baby Won’t You Please Come Home ». L’avenir est tracé, il y aura un All-Stars et pas d’autre roi du Jazz Hot.

Revoilà Chris Bergson, boosté comme un adolescent pour délivrer un blues énergique à souhait. En compagnie d’une section de cuivres et d’une base rythmique traditionnelle, Tony Leone (dm) et Matt Clohesy (b), notre guitariste est reparti en quête de sensations fortes en exposant des blues incandescents (« Greyhoud Station »). Son jeu semble s’être un peu plus affirmé au cours du temps, signe d’une maturité évidente. Cette assurance se retrouve aussi dans les thèmes exposés où à part « Baby I Love You », popularisé par Aretha Franklin et le traditionnel « Corinna », toutes les compositions sont du New Yorkais ou de ses partenaires. Le blues se fait de plus en plus torride à la rencontre de ce que fût le rythm’n’ blues des sixties. « Mr. Jackson » image pleinement ce propos avec un swing qui aurait donné envie à un certain chanteur d’appliquer son moonwalk pendant que la guitare extirpe ses cocottes. Le leader n’en délaisse pas moins la source de ce qui lui a fait prendre la six cordes en délivrant un blues acoustique profond (« Heavenly Grass »). Mais cette parenthèse sert juste à le relancer sur ce qui semble être le leitmotiv de  Live at Jazz Standard, le R’n’B. Sa voix chaude et profonde renvoie à Sam & Dave et Bruce Springsteen à la fois (« High Above the Morning »). L’album se termine sur un nouvel air hot, fruit du jazz et du blues appris au contact des Hubert Sumlin, B.B. King, John Hammond, Etta James, Bettye LaVette ou encore Norah Jones. Chris Bergson a très bien retenu la leçon en se positionnant en pôle position sur la ligne des bluesmen référents du 21_^e siècle.

On connaît Brian Blade pour son drumming à la fois puissant et fin et ses talents de coloriste inventif. Bizarrement pour un album de batteur, les atmosphères sont ici lancinantes et arythmiques. Comme le suggère la photographie d’un mur en brique avec fenêtre sans toit sur un fond de ciel gris et nuageux, il s’agit d’un disque d’ambiances paysagères. Cette image est d’ailleurs un excellent résumé de la musique : elle est terne, vaguement étrange tout en restant accessible et possède des prétentions de profondeur dont on attendra en vain la révélation. Harmonium et clarinette basse donnent un aspect religieux à « Shenandoah » mais il reste soporifique (en moins de deux minutes !) ; « He Died Fighting » possède un jeu martial lourdingue (quel littéralisme…) et « Friends Call Her Dot » poursuit dans cette veine pop-folk d’une lenteur irritante. Le blues et l’église sont présents de manière très discrète et interprétés avant tout dans un cadre qui est celui de la variété folkisante. Le manque d’intensité est criant : cette musique ressemble à un dimanche après-midi pluvieux de novembre. Une musicalité introspective qui tourne à vide.

Cet album est l’aboutissement d’une longue coopération du pianiste aveugle de New Orleans, Henry Butler, et du trompettiste/arrangeur de Washington DC, Steven Bernstein, commencée avec son Millennial Territory Orchestra en 2011 au Lowdown Hudson Blues de New York : ils avaient relu quelques classiques du blues. Après cette première rencontre réussie, les deux protagonistes ont en 2012 récidivé en donnant Early Blues, un autre spectacle redécouverte du répertoire de l’Orléanais au Jazz Standard de New York. Pour cette troisième réunion, enregistrée aux Avatar Studios, superbe réinterprétation de quelques-unes des plus belles pièces de la musique de jazz, ils se sont adjoints la fine fleur des sections rythmiques de Crescent City : Herlin Riley, Le Magnifique, et le non moins talentueux Reginald Veal.

Revoici pour notre plaisir le groupe « Four » de Claudio Fasoli, augmenté cette fois d’une trompette, le Suisse Michel Gassmann sur quelques plages, peu connu chez nous, il l’est plus en Italie où il joue avec Stefano Battaglia, notamment dans l’hommage à Pasolini. Cette fois, Fasoli tente une interprétation musicale de différentes stations de métro de Londres, lesquelles, dit-il, peuvent faire naître toutes sortes d’émotions. Et c’est réussi car on retrouve l’animation, la presse, mais parfois aussi le calme du métro londonien. Nous ne sommes plus dans le jazz de "chambre" de l’Emerald Quartet. Dès les premières notes de « Fulham Broadway », ça démarre en force avec le batteur qui joue assez funk, et après un unisson, la guitare s’envole, puis Fasoli part dans un solo au soprano, puissant, avec un son droit, vers des aigus diaboliques. Et ça continue dans la même envolée avec « Kew Gardens », où le saxophoniste poursuit sa route vers la lumière, et la ballade se termine à la trompette bouchée, très tendre. Pour les autres morceaux Fasoli passe au ténor, restant souvent dans le médium-grave, il peut être rêveur comme sur « Knightsbridge », ou véhément, rageur, comme sur « Parsons Green », où encore lyrique dans « Bow Church ». Les autres musiciens sont à la hauteur. Le guitariste joue des solos mélodiques, des motifs d’une belle richesse harmonique. Le batteur sait créer des tapis, tant aux tambours qu’aux cymbales, un drumming solide d’une parfaite mise en place. Le contrebassiste se place à merveille dans le jeu du batteur. Quant au trompettiste, il est de la lignée d’un Paolo Fresu, adepte d’un son pur et beau, avec de idées mélodiques, on peut s’en faire une idée sur « Finchley Road ». Un beau et fort voyage dans le métro londonien à travers quelques stations musicales de hautes volées.

Igor Gehenot (né en 1989) a connu une ascension fulgurante : prix SABAM Jazz Awards, album de l’année 2012 pour la revue britannique Jazz Wise avec Road Story ; carte blanche, l’été dernier, au Gaume Jazz Festival. Le pianiste liégeois a suivi les cours d’Eric Legnini. Toutefois, loin de la ligne groovy-funky adoptée par son prof, il a suivi une voix qui, en Belgique, le met, je pense, plus en filiation avec Charles Loos ou Ivan Paduart. Par ses compositions chantantes et dansantes (« Santiago »), on peut encore le situer au plan international dans une ligne (courbe) allant de Bill Evans à Brad Mehldau (« Back Country », « In the Wee Small Hours of the Morning »). Son jeu est assuré, parfois même appuyé (« Crush »). Compositeur romantique, lyrique, expressif, il suspend ses mélodies avec délicatesse (« Prémices », « Interlude ») résonnant ou crochetant quand il le faut, quand il le sent (« Back Country », « Deep Unseen »). Il est délié, sûr de lui. Les phrases coulent, respirent et rebondissent avec quelques audaces parfois : « Ô Lac ». Il nous offre de très belles valses lentes : « Song From Eden », « Deep Unseen » et un song profond de Mann-Hilliard : « In the Wee Small Hours of the Morning ». Il ose des évolutions contrastées, des accentuations (« Jaws Dream », « ô Lac »). La musique coule comme brassées de pétales à la procession. C’est beau, ça swingue, ça chaloupe aussi ! Avec cette seconde galette, le jeune pianiste liégeois s’est entouré d’un nouveau trio de musiciens consacrés et totalement imbriqués dans l’œuvre : Teun Verbruggen (dm), fusionnel (« Back Country », « Ô Lac », « Deep Unseen ») ; Philippe Aerts (b), juste sur la note, le tempo, le vibrato (« Interlude », « In the Wee Small Hours of the Morning»). Médaille d’or aussi pour Daniel Léon : un ingé-son qui a de jolies oreilles et des poils qui aiment la chair de poule ! Cet album est un coup de maître. La meilleure de nos cotes s’impose donc à moi… sans chauvinisme aucun !

Pendulum, Spirits, Sermonette, Shower The People, No Moon at All, I Just Can't Stop Loving You, Fantified, Cubano Chant, Charcoal Blues.

Jared Gold fait partie de la relève de l’orgue contemporain – d’une manière peut-être moins sèche que Brian Charrette car il ne renonce pas aux aspects blues et funk de l’instrument. Jared Gold laisse notamment parlerDave Stryker, lui-même leader d’un superbe groupe (Blues to the Bone). Ce dernier est d'ailleurs pour beaucoup dans la réussite de cet album : la clarté intensément blues de ses interventions possède un swing remarquable, agressivement moderne mais avec une touche mélodique et une fraîcheur constante. On sent que Jared Gold s’inspire des organistes considérés comme "modernes" (Larry Young et Don Patterson) mais il conserve l’esprit Jimmy Smith et est capable de sobriété blues (citation de « SKJ » sur le « Sermonette » de Cannonball Adderley qui permet d’invoquer les ambiances churchynécessaires façon Ray Charles). Les cuivres sont utilisés pour des soulignements bienvenus, comme sur le très funky « Spirits » et prennent la parole avec enthousiasme. James Taylor et Michael Jackson ne sont peut-être pas les meilleurs auteurs à reprendre dans ce format, mais le reste des choix est assez inspiré : un bon « No Moon At All », rapide avec balais, un « Cubano Chant » de Ray Bryant brûlant, un très décontracté « Charcoal Blues » de Wayne Shorter (Patrick Cornelius avec un velouté à la Johnny Hodges).

On n’en finit pas de découvrir Joe Magnarelli, un des trompettistes les plus respectés de New York. Ce très bel enregistrement possède une certaine densité même s’il ne revendique pas d’ambition dans la mise en forme musicale. Ce sont donc les pures performances instrumentales qui comptent. Mags ne déçoit pas : constamment attentif à la sonorité de l’instrument et la clarté des développements, il est superbe sur les ballades « Inner Beauty » et « Darn That Dream ». Trompettiste contemporain synthétisant les influences de Clifford Brown, Freddie Hubbard et Lee Morgan, il n’oublie pas Kenny Dorham (« Third Set ») avec lequel on peut lui trouver une affinité particulière pour une forme de délicatesse (« Blue Key », bossa sobre). Son lyrisme contrôlé est élégant, même s’il ne débouche pas sur une musique à l’intensité électrique. « Miles’ Mode » est une démonstration de Magnarelli à la trompette bouchée avec uniquement basse et batterie, ce qui est toujours plus sec, malgré l’engagement de chacun. « Suddenly It’s Spring » est la démonstration up-tempo obligatoire. On apprécie la trop courte introduction de Wonsey sur « Easy Transition », belle composition hubbardienne dont les couleurs sont bien exploitées par chacun. Anthony Wonsey, influencé par Mulgrew Miller (« 44 »), est présent et brille particulièrement, comme soliste et comme accompagnateur (« Darn That Dream »). Steve Davis, toujours mélodique, est d’une belle sobriété.
Un album avec beaucoup de classe et de maîtrise même s’il manque l’effervescence d’une personnalité plus affirmée.