C’est quoi «le Broukay»? C’est où? Réponse: un moulin sis au bord de la rivière «le Geer», en Belgique, commune de Bassenge, bourg d’Eben-Emael; aux confins de la Wallonie, de la Flandre (province de Limbourg) et de la Provincie Limburg (Hollande); au sud de Maastricht (lire «Mâstrikt» et pas «Mâstrichte»); à l’est de la ville de Bilzen et à l’ouest de Visé, du Pays de Herve et des anciens Fourons devenus«Voeren»! Cet irrésistible territoire rassemble les carrières de tufeau et les champignonnières de Kanne, les immenses écluses de Lanaye entre la Meuse et le canal Albert, la Montagne Saint-Pierre, le Fort d’Eben-Emael (première incursion des parachutistes de l’Allemagne nazie en Belgique à l’aube du 10 mai 1940); la belle Commanderie d’Alden-Biesen (Bilzen) fondée par les Chevaliers Teutoniques; le restaurant 5 étoiles du Château de Neerkanne et la non moins intéressante Tour d’Eben-Ezer construite entièrement avec des pierres de silex par un initié – une sorte de cousin du Facteur Cheval!

Et le jazz dans tout ça? Nous étions présents pour la deuxième soirée de la 21_^e édition de Jazz au Broukay, organisée par les pouvoirs locaux et Jean-Pol Schroeder, le directeur de la Maison du Jazz de Liège. La première soirée était un hommage à Chet Baker qui a débuté par un document vidéo réalisé par la Maison du Jazz, retraçant la carrière du trompettiste et les relations privilégiées qu’il entretenait avec Jacques Pelzer ou Philip Catherine. Deux trios de trompettistes vinrent en apothéose de cette première soirée. Le premier comptait Grégory Houben (tp, flh, voc), Quentin Liégeois (g) et Cédric Raymond (b). Le truculent Grégory osa –dixit Schroeder– transcender les œuvres de Dalida et Johnny Hallyday. Pourquoi pas? Le second trio réunissait l’éminent Bert Joris (tp, flh), le sémillant Nicola Andrioli (p) et Jos Machtel (b). Ben, oui, nous avons raté ça!

Le samedi soir, traditionnellement, les organisateurs se consacrent au jazz Django. Nous y étions! Une vidéo assemblée par les mêmes que la veille faisait la part belle aux affres des communautés Rom et, au milieu de celles-ci: à l’héritage de Django Reinhardt et ses suiveurs: Bireli Lagrène, Patrick Saussois, les Rosenberg… Ce sont les fils de Stochelo–Johnny (g/rhythm, voc) et Mozes (g solo)– qui assurèrent la première partie avec le contrebassiste hollandais Arnould Van den Berg. Bon sang ne peut mentir. L’adage est facile, mais il est approprié pour ce qui est du talent et de la virtuosité de Mozes («BlueMoon», «Caravan»). Avec «Cry Me A River» –le seul morceau divinement chanté par Johnny– on se prit immanquablement à rêver à la gueule d’amour d’une jeune dame en canoé rose!

Pour conclure cette deuxième journée, l’apothéose avait été confiée aux Cavaliere Père et Fils en formation Jazzy Strings Sextet qui comptait: René Desmaele (tp, flh, cornet), Fred Guédon (g/rythm) et, en invité, Dorado Schmitt (g). Mario Cavalière (g) reste incontournable et bien en place pour défendre l’héritage manouche qui va de Liberchies à Samois. L’autre vedette de la journée, Dorado Schmitt (g), nous a particulièrement accroché par le velouté de sa sonorité, la justesse de son touché, sa très belle sensibilité et sa modestie. Loin de répondre aux appels, aux débordements et aux accumulations de chorus d’Alexandre Cavaliere (vln), Dorado s’exprime joliment, discret, attachant, passant les relais et rejetant une couverture qu’il mérite amplement. C’est aussi une manière de garder l’esprit; elle va à l’encontre de la virtuosité à tout cran de la plupart des familles. «It Must To Be You», «Nuages», «Bossa Dorado»…

Le Pour sa 19_^e édition, le festival Parfum de Jazz continue de faire honneur au cadre somptueux de la Drôme provençale avec trente-deux concerts, tant en journée qu’en soirée pour les «apéros-jazz» sur les places des quatorze villages participants et, bien entendu, les grands concerts offrant un jazz abordé dans ses différentes dimensions, mais sans jamais en sortir. Une programmation cohérente, ce qui n’est plus si évident aujourd’hui, agrémentée de deux conférences de qualité. Grâce en soit rendue au président et fondateur de ce bel événement, le trompettiste Alain Brunet, qui l’anime avec enthousiasme et, à l’occasion, «paie de sa personne» aux côtés des musiciens.

Dimanche 13 août, le concert d’ouverture se tient dans le superbe décor montagneux de Saint-Ferréol-Trente-Pas; tradition oblige et pour une bonne cause, au profit de la lutte contre la mucoviscidose. Le Super Swing Project composé de Jean-Marc Monnez (p, voc), Daniel Barda (tb), Charles Prévost (washboard), le pilier du groupe, et de Gilles Berthenet (tp), entraîne un public venu en nombre sur les traces de Sidney Bechet avec «Blues My Naughty Sweety Gives to Me», mais aussi de Nat King Cole avec«When I Grow to Old to Dream» et une belle version de «Sweet Lorraine» alternant des chorus enlevés de Daniel Barda et Gilles Berthenet. Marc Monnez reprend «Lady Be Good» dans une prestation spectaculaire, puis seul au piano-voix, «Lisa» de George Gershwin. Le voyage musical se termine sur un bel arrangement de «Them There Eyes»de Billie Holiday et, pour le rappel, sur «Please Don't Talk About Me». On retrouvera avec plaisir cette formation le lendemain, pour la présentation du festival, dans les jardins de l’hôtel de ville de Buis-les-Baronnies.

Lundi 14 août, pour la première fois, le centre de vacances Léo Lagrange de Montbrun accueille la programmation de Parfum de Jazz avec le quintet d’Aurore Voilqué (vln, voc): Jerry Edwards (tb), Thomas Ohresser (g), Basile Mouton (b) et Julie Saury(dm). «Rose Room», sur un arrangement d’Olivier Defays, ouvre le «bal swing» suivi de «Mabel» de Django, introduit par Julie Saury et interprété dans le style new orleans; tandis que Basile Mouton ouvre longuement le «Black Trombone» de Serge Gainsbourg, où se distingue, bien évidemment, Jerry Edwards. Le public est conquis par l’énergie de la violoniste, très à son aise sur le répertoire de Django («Place de Brouckère») ou sur la chanson française («Le Rififi», associé à la gouaille de Magali Noël), particulièrement lorsqu’elle déambule au milieu du parterre. «Une Blonde en or» d’Henri Salvador conclut le concert sous les acclamations.

Mardi 15 août, la place du village au cœur du village de Mollans-sur-Ouvèze est comble pour Les Doigts de l'Homme –Olivier Kikteff (g), Yannick Alcocer (g), Benoît Convert (g) et Tanguy Blum (b)– qui présentent leurs nouvelles compositions et de plus anciennes, adaptées à la nouvelle formation, avec des percussions (Nazim Aliouche) au lieu de l’accordéon. Dès «Là-haut», le premier morceau joué, on retrouve la place prépondérante des trois guitares qui se répondent. Olivier Kikteff aime expliquer l’origine des compositions, ainsi, pour «Le Cœur des vivants» (également titre du dernier album, paru en 2017); il rappelle Tacite: «Le vrai tombeau des morts, c’est le cœur des vivants». Quant à «Amir Across the Sea», il s’agit d’un hommage à Amir Mehtr, ce nageur qui a fui la Syrie à la nage pour rejoindre l’Europe. «Love Song», une reprise de Tigran Hamasyan, qui permet à Nazim Aliouche de démontrer tout son talent, est suivie de «4BC», une composition d’Olivier Kikteff. Benoît Convertreste seul sur scène pour l’intro de «Indifférence», standard de Tony Murena, vite rejoint par l’ensemble du groupe pour un éclatant final. Le concert s’achève avec les anciens titres du groupe –«Mixture»,«Féerie» et«Da Vibe»–, avant un rappel réclamé avec insistance.

Mercredi 16 août, Laurent Courthaliac (p) présentait, à Buis-les-Baronnies, son hommage à la musique des films de Woody Allen, objet de son dernier album, All My Life (Jazz & People). Un concert donné en plein air, avec son octet, et qui précédait la projection de Manhattan, (finalement annulée pour cause d’orage), l’un des chefs-d’œuvre du cinéaste new-yorkais. Les orchestrations de Jon Boutellier (bar) sont interprétées par Bastien Ballaz (tb), Fabien Mary (tp), Dmitry Baevsky (as), David Sauzay (ts), Clovis Nicolas (b) et Romain Sarron (dm). Un parcours jazzique et cinéphilique à travers des titres dont plusieurs sont issus de la comédie musicale sortie sur les écrans en 1996, Tout le monde dit I love you: «Everyone Says I Love You», «All My Life» ou encore «Just You, Just Me».

Jeudi 17 août, la soirée se tenait au Théâtre de Verdure de la Palun (Buis-les-Baronnies), lequel jouit d’une superbe vue sur le Mont Ventoux. Elle est ouverte par le quartet franco-luxembourgeois de Maxime Bender(ts, ss) –Manu Codjia (g), Jean-Yves Jung(org) et Jérôme Klein (dm)– avec leur projet Universal Sky aux ambiances oniriques. Un répertoire de compositions qui va de jolies ballades («Sorrow») jusqu’au jazz-rock («Song of Fire and Ice», clin d’œil à la série télévisée Game of Thrones).

En deuxième partie, le trio d’Olivier Hutman (p), formé des excellents Darryl Hall (b) et Steve Williams (dm) débute sous les meilleurs auspices avec «Driftin» d’Herbue Hancock. Il est rejoint, par Eric Le Lann (tp) et Olivier Temime (ts) dès le deuxième titre, «Ayam», une composition du trompettiste. Suivent un bon blues avec «Max’s Axe» et un non moins délicieux «Milestone». Une plaisante ballade également, avec un original du leader, «I Am to Talk About You», avant de reprendre «Zingaro», un bossa d’Antonio Carlos Jobim. Fin du concert et retour au pur bebop avec «Hortense»et «Fast Changes». La soirée se conclut sur un rappel enthousiasmant: «If I Should Lose You», immortalisé par Nina Simone, et «Well You Needn't» de Telonious Monk.

Vendredi 18 août, retour au Théâtre de Verdure de la Palun avec les Swing Ambassadors: Max-Alipe Michel (as, ss), Philippe Dieudonné (ts), Dominique Rieux (tp), Rémi Vidal (tb), Cédric Chauveau (p) Jean-Pierre Barreda (b) et André Neufert (dm). Le concert s’ouvre avec un «Cute» basien qui met d’emblée le public au diapason. Suivent «Moten Swing» de Bennie Moten; «Perdido», sur lequel le septet invite Tony Russo (tp); «Shiny Stocking», bien arrangé par ClaudeGousset (tb), l’un des orfèvres retravaillant ce répertoire swing pour le compte des Ambassadors, avec François Biensan (tp); ou encore «Flight of the Foo Bird» mis en valeur par un beau solo de Cédric Chauveau. Pour le final, Nicolas Folmer (tp, programmé le lendemain) est convié sur «Take the ’A’ Train» et «Lullaby of Birdland», tandis que le président du festival, Alain Brunet, entame un scat endiablé avec la joyeuse équipe.

Samedi 19 août –notre dernier soir de présence–, toujours au Théâtre de Verdure, Daniel Humair (dm) se produisait en invité d’honneur de Parfum de Jazz 2017, avec Nicolas Folmer en invité. La batteur, qui est également peintre, exposait d’ailleurs à la Galerie Lithos de Saint-Restitut durant toute le festival. Le quartet, complété par Hervé Sellin (p) et Stéphane Kerecki(b), débute avec «What Is This Thing Called Love?» de Cole Porter, suivi de «Gravenstein», une composition du leader. Autre original, de Nicolas Folmer cette fois, «I comme Icare» permet d’introduire «Brunette» (qui semble dédié à Alain Brunet!), après quoi intervient un hommage à Paul Chambers, avec le magnifique «Mr.P.C.»de John Coltrane, bien entendu orné d’un bon solo de Stéphane Kerecki. Un concert tout en délicatesse.

Un festival qui se déguste comme un Côtes du Rhône aux riches arômes. Rendez-vous en 2018 pour un bel anniversaire, la 20_^e édition!

Cette année encore, le Théâtre de Verdure, cette ancienne carrière réaménagée en salle de concert en plein air, accueillait une programmation 100% jazz. Et c’est une 22_^eédition mémorable que Marie-Hélène Buron, la directrice artistique du festival Jazz in Langourla, assistée de Gildas Le Floch, nous ont concoctée.

L’année dernière, c’était le guitariste Sylvain Luc qui lançait les festivités. Cette année, l’excellent Daniel Givone a eu cet honneur. Voilà plusieurs éditions qu’il nous touche par sa générosité et sa présence infatigable au festival, aussi bien sur scène qu’aux côtés des bénévoles. On se souvient notamment du très émouvant hommage qu’il avait rendu avec Alma Sinti à Patrick Saussois. Et des nuits passionnées où il faisait le bœuf avec les musiciens de passage et les têtes d’affiche lors des jams au bar Le Narguilé, sans jamais tirer la couverture à lui. Cette discrétion, cette sensibilité, cette poésie, ce répertoire, ce jeu où tout est supérieur rendent ce guitariste exceptionnel. Il est seul en scène. Au départ, il ne voulait s’accompagner que d’une seule guitare, classique, mais, emporté par la passion, il en a rapporté d’autres et, durant une heure, il ne cesse de passer d’un instrument à l’autre et change de registre en un clin d’œil. De Jean Ferrat à Sting, du flamenco aux standards de jazz, avec une pensée pour son héros Joe Pass, il donne tout, joue avec mille nuances. Chaque instant est un moment de poésie, de jazz, de beauté. L’esprit de Patrick Saussois est très présent. On sent Daniel Givone très ému lorsqu’il évoque la mémoire de son ami. Saussois, Givone, la nuit, le jazz, la musique, des moments d’amitié indissociables du festival de jazz de Langourla. Entre Saussois et Givone, les points communs sont très nombreux. Comme lui, c’est un guitariste curieux de tout, un amoureux de la guitare qui joue tous les styles. Chaque année, Givone passe du temps au Népal. Il s’est nourri de cette culture, a étudié la façon qu’ont les Indiens de jouer de cet instrument. A la fin du set, il interprète deux compositions originales, «L’éléphant» et «Sur la route du Népal», moments parmi les plus beaux de la soirée. La transition avec le prochain groupe semble toute faite, le guitariste rappelant que le dernier album de Patrick Saussois, The Look of Love (Djaz, 2010), a été enregistré avec Rhoda Scott. Place donc à la grande organiste.
Accompagnée de son Lady Quartet, composé de Sophie Alour (ts), Géraldine Laurent (as) et Julie Saury (dm), Rhoda Scott enflamme le Théâtre de Verdure avec son groove. Entre compositions («We Free Queens», «You’ve Changed», «I Wanna Move») et reprises («Que reste-t-il de nos amours?», «Moanin’»), les titres qu’elles jouent sont tirés essentiellement de leur nouvel album, We Free Queens (Sunset Records), sorti en début d’année. Cette seconde partie de soirée est gorgée de swing, de blues, avec des accents très funky. Les musiciennes sont pleines de fougue et d’enthousiasme. Le public est conquis.

Samedi soir, le 5 août, les festivaliers découvraient le duo formé par Emile Parisien (ss) et Vincent Peirani (acc). Et n’a pas été déçu! Les trentenaires s’intéressent aussi à l’histoire du jazz et revisitent de façon très personnelle le répertoire de Sidney Bechet. Ils débutent avec «Egyptian Fantasy» et «Temptation Rag», qu’ils ont enregistrés dans leur album Belle Epoque (ACT, 2014). On comprend vite qu’ils ont longuement écouté la musique du maestro avant de s’y attaquer, tant ils en ont capté l’essence dans des arrangements subtils, laquelle dérive parfois vers la musique de chambre et la musique contemporaine. Entre le feu de Parisien et le jeu très dramatique de Peirani, la fusion est totale. Ils jouent peu de titres. Chaque morceau qu’ils interprètent est une rêverie. Chacune de leurs notes est une aventure. Suivent un hommage à Schubert («Schubertauster») et un clin d’œil à Michel Portal («3 temps pour Michel P.») avant de revenir à Bechet avec un magnifique «Song of the Medina». Somptueux.
Puis revoilà Julie Saury. Après avoir accompagné Rhoda Scott la veille, elle nous présente ici son album For Maxim (nous renvoyons les lecteurs à son interview, dans ce numéro, et à la chronique de son disque dans Jazz Hot n°679) en hommage à son père Maxim Saury (1928-2012), l’un des grands représentants du jazz new orleans en France. Pour un tel projet, elle a fait appel à des musiciens qu’elle connaît bien:Aurélie Tropez (cl),Frédéric Couderc (ts, fl), Shannon Barnett (tb), Philippe Milanta (p) et Bruno Rousselet (b). Sans jamais tomber dans le piège de la nostalgie larmoyante, elle a repris des standards que jouait et aimait son père, les a réarrangés, plutôt dérangés. On reconnaît bien les thèmes «Sweet Georgia Brown», «Moppin and Boppin», «Avalon», «Do You Know What It Means to Miss New Orleans?», «Back Home Again in Indiana», «Together», et ce ne sont pas tout à fait les mêmes. C’est très astucieux, très réussi, très rafraîchissant. Au final, bien que glaciale (les musiciens claquaient des dents!), la soirée fut très réussie.

Nous n’avons pu assister à la dernière soirée du festival, qui s’achevait le dimanche avec Selmer n°607et les Glossy Sisters, mais nous ne doutons pas que cette édition 2017 a fini en beauté. Cette année encore, entre les concerts au Théâtre de Verdure, les apéros-concerts en début de soirée (notamment le très intense Nebia Trio, lauréat du Tremplin blues jazz2016) et les jams au Narguilé, Jazz in Langourla est l’un des rares festivals de jazz à défendre à ce point un état d’esprit jazz de partage et de convivialité entre les musiciens et les festivaliers, les passionnés et les bénévoles, et une programmation artistique exemplaire. A l’année prochaine!

Les fidèles lecteurs de Jazz Hot connaissent bien notre attachement à ce festival proche de San-Remo et à une heure de voiture de Nice. Cadre de rêve: l'Auditorium Communale est un amphithéâtre à l'antique de moins de 400 places au milieu des palmiers. Proximité avec les artistes, sonorisation irréprochable, et présence, à deux pas, d'une terrasse qui propose spaghettis al vongole et salade de poulpe irrésistibles. Le photographe Umberto Germinale, qui assure la programmation et la présentation avait prudemment, pour cette  14_^e édition, choisi le thème «crossing», lui laissant  les coudées franches pour une sélection d'artistes évoluant dans des univers bien différents. Un portrait au-dessus de la scène rappelle la récente disparition du contrebassiste Dodo Goya, parrain du festival et grande figure du jazz italien, à qui les trois  soirées sont dédiées. Cigare éteint en bouche, il était présent chaque année depuis la création du festival, dans le public, les coulisses, et plus souvent encore, sur scène.




Mercredi 2 août
Emanuelle Cisi (ts), Dino Rubino (p, flh), Rosario Bonaccorso (b), Peter Van Nostrand (dm) forment le quartet No Eyes, dont le nom fait référence à un titre de Lester Young, et, en introduction à cet hommage au saxophoniste légendaire, «September in the Rain » est exécuté de façon très classique avec la souplesse de swing qui convient. Pour un «Jumping at the Woodside» très enlevé, le très jeune pianiste délaisse le clavier pour le bugle dont il joue avec brio à la mode des boppers et, le sax au très beau son se révèle être aussi un émule de Rollins. Puis, c'est un émouvant «Goodbye Pork Pie Hat», le thème de Mingus qui fait allusion à l'emblématique couvre-chef de Lester.  Longue introduction du contrebassiste qui joue aussi parfois en chantonnant sa phrase à l'unisson pour la ballade «These Foolish Things», développée ensuite sous forme de samba. Suivront, en duo sax/bugle: «Jumping With Symphony Sid», un blues basique de Lester, dédié à cet homme de radio qui œuvra à diffuser le bebop,  puis «Polka Dots and Moonbeans» truffé de références à Rollins, enfin, «Tickle Toe» (thème de Lester immortalisé par le Count Basie Orchestra),  joué sur un tempo d'enfer par les deux soufflants qui échangent habilement chorus et «quatre-quatre» dans un joyeux feu d'artifice ponctué par les «bombes» du batteur new-yorkais aussi discret qu'efficace tout au long de ce remarquable concert que parachève, en rappel, un  «Lester Leaps In» tout aussi torride.

Jeudi 3 août
Riccardo Zegna (p) Original Standard Nonet –Pietro Tonolo (ts, fl), Claudio Chiara (as), Davide Nari (bs), Giampolo Casati (tp), Davide Garola (tb), Federico Zaltron (tp), Simone Monanni (b), Roberto Pagliri (dm)– présente une musique «de répertoire» où les interventions un peu convenues des solistes importent moins que l'exécution (parfaite au demeurant) des arrangements. Le pianiste, le contrebassiste, le batteur, le sax alto et le ténor sur qui repose l'essentiel, se distinguent toutefois très nettement  par des improvisations très convaincantes. Les thèmes sont tirés pour la plupart des répertoires de Monk, Mingus, Ellington, Gillespie. La prestation est de qualité et s'écoute avec plaisir. Pas de quoi révolutionner l'histoire du jazz, certes, car ce n'est pas le propos. Mais une bonne occasion de montrer que «la musique du diable» peut aussi se décliner sous la forme d'une musique de chambre (dont la dynamique, s'accroit tout au long de la soirée), appréciée des initiés tout en étant accessible aux profanes.



Vendredi 4 août
Membre actif de Weather Report et de Steps Ahead, le batteur Peter Erskine est une star. De Gary Burton à Mike Stern, il a joué avec les plus grands. Le voir ici, si proche,  et l'entendre en «son direct», sans amplification ou presque, avec des musiciens talentueux (dont le fabuleux saxophoniste Bob Sheppard) est une véritable aubaine. Il se produisait à Ospedaletti avec son Dr. Um Band: Bob Sheppard (s), John Beasley (p, ep) et Benjamin Shepherd (b). les thèmes s’enchapinent tous aussi gorgés d'énergie les uns que les autres. Car, selon un mode jazz-rock radical, le quartet les enfile, comme autant de perles dignes des plus actuels «dance floors», tout en laissant à chacun de ses membres le loisir de les enrichir de sa touche personnelle. Le jazz redeviendrait-il une musique de danse...voire, d'hypnothérapie ? Rêvons... Le concert est magnifique. Les moments de pure folie, tempérés par des plages de quiétude apaisantes, laissent l'auditeur un peu étourdi, mais conscient d'avoir assisté à un grand moment musical. 

Succès total. L'auditorium est bondé chaque soir, et les spectateurs, ravis. Malgré des moyens financiers modestes, Jazz Sotto Le Stelle prouve, s'il en est encore besoin, la vitalité et, surtout, l'importance des «petits» festivals pour la défense et l'illustration de cette musique qui nous tient tant à cœur. Et, on peut se réjouir quand ils sont, comme ici, tenus à bout de bras par des amateurs enthousiastes et éclairés.

On revient au festival d’Ystad retrouver des amis. Le caractère convivial de ce festival –dont le fonctionnement repose essentiellement sur de nombreux et dévoués bénévoles qui répondent présents chaque année– est son atout maître. Ainsi a-t-on plaisir de côtoyer à la cafétéria du Ystads Teater (le centre de presse) les membres de l’équipe, musiciens, agents et correspondants venus du Danemark, d’Allemagne, du Royaume-Uni, des Etats-Unis ou du reste de la Suède; l’occasion d’échanger des points de vue, de rencontres et de découvertes qui font d’Ystad une cité internationale qui gravite autour du jazz en communion avec un public nombreux et sympathique. Dans la quarantaine de concerts proposés, quelques moments forts: la programmation, toujours assurée par le pianiste Jan Lundgren, est apparue cette année moins ouverte sur le monde, privilégiant les musiciens scandinaves, notamment ceux du label ACT… Elle n’en a pas moins permis de découvrir en scène de grands artistes…

La traditionnelle soirée inaugurale du festival, s’est déroulée, le 1_^er août, dans un nouvel espace: l’Ystad Arena, un complexe sportif flambant neuf. Fort d’une capacité d’accueil nettement supérieure à celle du théâtre municipal, ce bâtiment ouvre aux organisateurs la possibilité de jauges plus importantes. Mais le lieu possède moins de charme que les traditionnelles scènes d’Ystad. Ce premier concert –qui avait fait le plein de spectateurs– évoquait la mémoire de Monica Zetterlund (1937-2005), actrice et chanteuse de jazz suédoise, notamment connue pour avoir enregistré «Walz for Debby» avec Bill Evans en 1964. Cette célébration, ponctuée de longues interventions dans la langue d’Ingmar Bergman, ne nous était pas accessible de ce fait… Et la musique n’a pas non plus compensé notre frustration: le Ekdahl & Bagge Big Band, plutôt bon, a été lesté par les interventions de deux gloires locales, Svante Thuresson et Tommy Köberg –crooners ayant collaboré avec Monica Zetterlund–; moment à retenir, un pétillant «What a Little Moonlight Can Do» interprété par Hannah Svensson (voc) suivi par un duo avec Filip Jers («Con alma»), dont l’harmonica rappelait celui du grand Toots.

Heureusement, le lendemain offrit un réveil en fanfare au concert de 11h, avec le retour gagnant (ils étaient déjà là en 2015) des Rad Trads dont la musique oscille entre blues, rock, country. Les cinq jeunes gens–les frères Michael (tp, voc) et John (dm, voc) Fatum, Patrick Sergent (ts, kb, voc), Alden Harris-McCoy (g, voc), Michael Harlen (b, voc)– s’amusent beaucoup sur scène et partagent généreusement leur plaisir d’être ensemble. On est plutôt dans un esprit rock’n’roll, et c’est extrêmement plaisant. Le groupe –qui par ailleurs maîtrise l’art du brass band– a ensuite enchaîné sur une parade new orleans dans les rues d’Ystad (Alden Harris-McCoy troquant sa guitare contre un soubassophone) avec le renfort d’un tromboniste resté anonyme et d’un altiste japonais, Yosuke Sato. Ouverte par un antique camion de pompiers et l’ensemble des bénévoles du festival, le défilé a remporté un franc succès et s’est achevé sur «When the Saints Go Marching In» et «Down by the Riverside». Epatants, ces Rad Trads!

A 19h30, au théâtre, un autre musicien déjà présent en 2015, Bobby Medina (tp, flh, Jazz Hot n°676), proposait un projet spécial avec l’excellent XL Big Band. Pour autant qu’il soit sympathique, le trompettiste n’a pas la carrure d’un grand soliste pouvant se mesurer à un big band. Certains des arrangements originaux qu’il a présentés («Autumn Leaves», «Grazing in the Grass» en hommage à Hugh Masekela) ne manquaient cependant pas d’intérêt. Mais le vrai raté de cette prestation fut l’invitation du finaliste suédois du concours de l’Eurovision, originaire d’Ystad (la belle affaire!), le jeune Frans, dont la posture hip-hop et les maigres talents vocaux paraissaient incongrus. Cette journée s’est joliment conclue à l’église du monastère par un délicat duo entre un habitué du festival, le Danois Jabob Fisher (g) et Hans Backenroth (b).

Le 3 août, la pluie nous a privés de la cour de Per Helsas Gård et il a fallu se replier au théâtre pour entendre Viktoria Tolstoy (voc). Au milieu des massifs de fleurs et avec un bon café, le récital de la Suédoise d’origine russe, serait sans doute mieux passé. Présentant son dernier album en date, Meet Me at the Movies (ACT), elle a donné en quartet (Krister Jonsson, g, Mattias Svensson, b, Rasmus Kihberg, dm) sa version de chansons de cinéma, généralement éloignées de l’univers du jazz, en dehors de «Smile» de Charlie Chaplin. Un concert pas inoubliable.
A 16h45, au Konstmuseum, le groupe David’s Angels (Sofie Norling, voc, Maggi Olin, p, David Carlsson, b, Michala Østergaard-Nielsen, dm) a servi une musique éthérée avec le renfort d’Ingrid Jensen (tp) qui fut la seule source de jazz et d’intérêt de cette prestation. A 18h15, au cloître, le Norvégien Bugge Wesseltoft donna un aimable concert de piano solo, à partir de ses compositions rappelant l’esthétique jarrettienne. Le silence religieux qui l’accompagnait prêtait volontiers à la comparaison; loin du jazz spirit.
Enfin, à 20h, au théâtre, le festival nous offrit le premier bon (et vrai) concert de jazz avec le quintet d’Al Foster (dm, Jazz Hot n°670): Freddie Hendrix (tp, flh), Mike DiRubbo (as), Adam Birbaum (p) et Doug Weiss (b). Les deux soufflants ont été pour beaucoup dans le plaisir procuré par cette prestation évoquant respectivement Dizzy Gillespie et Charlie Parker, puisque ce nouveau projet d’Al Foster est un hommage au mythique altiste. D’un côté le son mat d’Hendrix, pétaradant de swing (gillespien en diable sur «Night in Tunisa»), de l’autre le lyrisme de DiRubbo (magnifique solo sur «Lover Man»), qui prend certainement racine dans la botte italienne (c’est un Italo-Américain de la deuxième génération). Al Foster –très en confiance avec sa rythmique, qui le suit depuis de longues années–, toujours caché derrière ses cymbales, reste un maître de la batterie, tout en finesse.
Le concert de 23h réunissait Al Di Meola et Peo Alfonsi pour un duo de guitares autour du thème «Piazzolla & Lennon-McCarney» (sic). Au final, on a eu droit à une suite de compositions dans l’esprit flamenco, agrémentées de quelques (légers) effets électroniques. Un intermède avant d’aller à la jam-session.

Le 4 août, nous avons retrouvé avec joie la cour de Per Helsas Gård et Jacob Fisher, dont le quartet –Zier Romme Larsen (p), Mathias Petri (b), Andreas Svendsen (dm)– invitait Yosuke Sato (lequel avait eu l’honneur, la veille, de faire retentir son saxophone en haut de l’église Sainte-Marie, tradition instituée par le festival). Au menu, du bon bebop («I Fall in Love too Easely», «Ornithology»…) joué avec cœur. On passera très vite sur la prestation du Danois Carsten Dahl (p) au musée, qui relevait du bruitisme, pour arriver au concert du soir, au théâtre (et pas n’importe quel concert, sans doute le plus marquant de cette édition 2017: la grande Deborah Brown (voc) présentait un hommage à Ella Fitzgerald, entourée d’une rythmique américaine (Rob Bargad, p, Essiet Okon Esdiet, b, Newman Taylor Baker, dm), du ténor polonais Sylwester Ostrowski et de ses compatriotes du NFM Leopoldium Strings, un orchestre à cordes de vingt pièces (la chanteuse qui est retournée vivre à Kansas City, a conservé des liens étroits avec l’Europe et notamment la Pologne). L’utilisation des cordes dans le jazz a donné quelques belles réussites (Charlie Parker, Billie Holiday, Ray Charles et évidemment Ella Fitzgerald…) mais reste un exercice délicat. Deborah Brown débuta le concert simplement avec son trio («Lullaby of Birdland») et le sax (qui prodigua un accompagnement discret tout au long du concert) avant d’être rejointe par l’orchestre. D’emblée l’alchimie fut parfaite: l’expression très enracinée de la vocaliste se trouvant mise en valeur par les cordes. Un résultat magnifique, qui fit honneur au répertoire d’Ella («Cry Me a River», «Summertime»…) et atteint un sommet avec «How Deep Is the Ocean» qui propagea une émotion telle que le public suédois réserva à Deborah Brown une longue ovation à l’issue du morceau. On n’en avait pourtant pas fini: «Kansas City Here I Come» rappela les fondements blues de la culture musicale de cette grande dame.
En seconde partie de soirée, Jan Lundgren se livrait à un duo inédit avec Nils Landgren (tb, voc). On n’a certes pas retrouvé les sommets d’intensité du précédent concert, mais cette rencontre fut plaisante, teintée d’humour (le tromboniste, directeur du festival Jazz Baltica, entretient une forme de rivalité amicale avec Lundgren, directeur du festival d’Ystad). Outre l’inévitable relecture jazzy du folklore suédois, les deux musiciens ont donné à entendre plusieurs standards, dont un «The Nearness of You» joliment repris par Nils Landgren, au chant, à la façon de Chet Baker.

Le 5 août, le concert du 11h était consacré à Wayne Shorter. Le sextet de Gilbert Holmström (ts) donna une prestation intéressante bien qu’hétéroclite, passant du swing au free, et du free aux ballades. A 13h, à l’hôtel Ystad Saltsjöbad, c’est une autre musicienne déjà programmée en 2015 –et pour le même projet– qui effectuait son retour à Ystad: Nicole Johänngten (ts, ss). Il s’agissait d’une nouvelle version de son groupe international et exclusivement féminin, Sofia (avec la Belge Anne Niepold, acc, la Suissesse Julie Campiche, harp, la Suédoise Charlotta Andersson, g, la Népalaise Sanskriti Shrestha, tabla, l’Allemande Lisa Wulff, b, et la Britannique Sophie Alloway, dm): un assemblage d’identités musicales diverses qui se retrouvent autour du jazz et souvent aussi à côté. On peut en tous les cas saluer la performance de ce collectif qui ne s’était rencontré que la veille et a travaillé sur les compositions de chacune. Les plus intéressantes furent «Ystad Tree» de Nicole Johänngten et «Nœud explicatif» d’Anne Niepold.
A 16h45, au théâtre, se produisait le Scottish National Jazz Orchestra, dirigé par Tommy Smith et avec Eddi Reader (voc) en invitée. Le big band a proposé un passage en revue des chansons du patrimoine écossais avec des arrangements jazzy. Mais comme souvent en ce cas, la fusion est restée artificielle bien qu’écoutable. A 20h, toujours au théâtre, Jan Lundgren revenait en quartet avec Jukka Perko (as, ss), Dan Berglund (b) et Morten Lund (dm) à l’occasion de la sortie de leur CD Potsdamer Platz(ACT). Basé sur des compositions originales du pianiste, le concert a aligné quelques jolies ballades, en particulier «Potsdamer Platz» et «On the Banks of the Seine».
A 23h, le duo Hiromi (p)/Edmar Castañeda a donné lieu à un numéro de virtuosité, parfois un peu gratuit.

Le 6 août, c’est un bon trio qui a inauguré, à 11h, cette dernière journée: celui de Lars Danielsson (b) avec Marius Neset (ts) et Morten Lund (dm). La musique était servie par des compositions de qualités, dont «Off to Munich».
Bien plus séduisant fut le concert de 16h45, au théâtre, de Jerry Bergonzi (ts), Tim Hagans (tp) et leur rythmique scandinave: Carl Winther (p), Johnny Åman (b) et Anders Mogensen (dm). Le son de Bergonzi est toujours empreint de poésie et de swing, tandis que Tim Hagans arbore un jeu très coloré. Globalement, le quintet fonctionne bien. On a notamment relevé les qualités du pianiste, fils du trompettiste Jens Winther (1960-2011) dont l’une des compositions fut jouée. Tim Hagans en profita pour rappeler qu’il avait travaillé avec lui et a souligné son lien particulier avec l’Europe. Une prestation solide dont on a notamment retenu une belle version de «Laura».
Pour les deux concerts de clôture, au théâtre, les impressions furent contrastées. A 20h, le Ann-Sofi Söderqvist Jazz Orchestra, déroula des pièces toutes de la main du leader. Si le big band permet d’éviter l’ennui, la musique était trop aseptisée pour être véritablement captivante. Les interventions ponctuelles de Lena Swanberg (honnête chanteuse de comédie musicale) l’on fait dériver vers la variété sans créer un intérêt supplémentaire.
Heureusement, nous avons quitté Ystad avec du jazz et du vrai: le nouveau projet de Joshua Redman (ts) en hommage à son père, le saxophoniste Dewey Redman (1935-2011) et, à travers lui, à l’aventure du free jazz. Très bien entouré par Ron Miles (tp), Scott Coley (b) et Brian Blade (dm), Joshua a redonné vie au répertoire du Old and New Dreams d’Ornette Coleman (dans lequel son père a côtoyé Don Cherry, Charlie Haden et Ed Blackwell), groupe qui fut actif de 1976 à 1987. Un héritage que le quartet a porté avec conviction et intensité, livrant un free aussi incandescent que saisissant.

Un mot enfin des jam sessions qui se sont tenues les 3, 4 et 5 août au restaurant Marinan, sur le port, et toujours animées par le trio du jeune Sven Erik Lundeqvist. C’est la soirée du 4 août qui restera dans les mémoires avec la constitution d’une formation détonante composée de Deborah Brown, Bobby Medina et Jan Lundgren qui ont partagé un plaisir du jazz communicatif. Tandis que la nuit du 5 août fut essentiellement animée par Nicole Johänngten et les membres de son collectif.

C’est toujours un plaisir d’assister à un concert dans les jardins arborés de la Casa de Cultura de Gandía. Le Polisònic s’y installe en plein été faisant profiter le public d’une fraîcheur plutôt recherchée et pour des tarifs plus que modérés (6 euros). 28_^e édition d’un programme qui, s’il fait toujours appel à du jazz, englobe aussi divers genres avec des formations ou des musiciens qui sont souvent une découverte pour les festivaliers. Parmi les neuf soirées nous avons fait des choix.

Une centaine de concerts, dix-sept scènes, plus de 150 000 spectateurs… Le bilan numérique du 52_^e  San Sebastiàn Jazzaldia est pour le moins flatteur. Le contenu n’est pas non plus en reste avec des têtes d’affiche comme Wayne Shorter, Herbie Hancock, Hiromi & Edmar Castañeda, Saxophone Summit, Houston Person, Abdullah Ibrahim, Uri Caine, Gregory Porter ou encore Charles Lloyd. Par ailleurs, face à l’éparpillement du festival en divers lieux, nous rendons compte de cette édition 2017 par scène.

Jazz Band Ball

21 juillet. Ray Gelato (ts, voc) et son groupe The Enforcers (Gunther Kurmayr, p, Ivan Kovacevic, b, Martí Elías, dm) ont attiré un public nombreux avec leur jazz plein de swing, dans la tradition des grands showmen des années quarante et cinquante. Aux morceaux popularisés par Louis Prima et Louis Armstrong, s’est ajouté une amusante version de «Tu Vuo Fá l'Americano» de Renato Carosone.
Le concert du vétéran Houston Person (ts, 83 ans), entouré de Dena DeRose (p, voc), Ignasi Gonzalez (b) et de Jo Krause (dm) a été une véritable leçon de jazz. La première partie était centrée sur le ténor et sur son répertoire, alors que la deuxième l’était sur la pianiste qui a aligné standards («Sunny») et autres titres populaires («Imagine»).
Uri Caine (p, ep) était lui en trio avec Mark Helias (b) et Clarence Penn (dm), pratiquant un style diablement rythmique et ouvert, où se mêlent jazz, classique, pop, rock de façon débridée.
Mais la surprise de la soirée a été Kevin Mahogany (voc), soutenu par Hervé Sellin (p), Pierrick Pedron (as), Bruno Rousselet (b) et Philippe Soirat (dm), dont l’humour, la voix de baryton et les talents de scatteur ont fait mouche. Le chanteur s’est promené au gré de ses amours musicales : «Caravan», «Route 66», «The Girl From Ipanema»…

Terrasse Heineken

23 juillet. Ernie Watts (ts), accompagné de Christof Saenger (p), Rudi Engel (b) et Heinrich Koebberling  (dm), a offert un concert de jazz sérieux et vigoureux, où il a témoigné de sa maîtrise du meilleur hard bop. Au cours d’une heure et demi, Watts a présenté des morceaux de son dernier album Wheel of Time, comme l'élégant «Letter From Home». Il a navigué par des terrains aériens avec «Song spirituel», qu’il a commencé et a fini à la flûte. Et, bien sûr, il a eu le temps de se rappeler de son ami Charlie Haden avec la belle ballade «Real of Time».

25 juillet. Comme il y a deux ans, le trio du pianiste Didier Datcharry (Jean-Xavier Herman, b, et Marie-Hélène Gastinel, dm) a passé en revue de grandes compositions signées d’Oscar Peterson, Erroll Garner, Phineas Newborn Jr., Ahmad Jamal ou encore Monty Alexander.

Kursaal

21 juillet. La musique de Wayne Shorter (ts, ss) est avant tout une œuvre collective où ses musiciens ont un rôle décisif. Auprès de lui, Danilo Pérez (p), John Patitucci (b) et Brian Blade (dm) génèrent une énergie irrépressible qui se nourrit de l'interaction étonnante et du dialogue entre les quatre musiciens. Avec Danilo Pérez, qui propose de nouveaux rythmes et variations, Blade, tout en précision, et Patitucci, qui constitue la base de cet assemblage, Shorter se sent libre pour jouer avec ses deux saxophones et de démontrer son talent inépuisable. Le répertoire comptait des morceaux bien structurés Lost»,«Zero Gravity»,« Adventures Aboard the Golden Mean»), pleins de tournures surprenantes et soumis aux modulations élastiques de chacun des interprètes, qui entraient et sortaient du flux musical avec une liberté totale, mais toujours en harmonie.

22 juillet. Le duo entre la Japonaise Hiromi Uehara (p) et le Colombien Edmar Castañeda (harp) faisait craindre un excès de virtuosité qui a été heureusement écarté par leur bonne entente. La musique était certes grandiloquente mais, s’agissant de musiciens si dépendants de leur capacités techniques, un certain contrôle de leur part a permis de donner un concert agréable plutôt qu’une interminable suite d’explosions musicales un peu vaines. Pour autant, la version de «Spain», à la façon de Chick Corea, livrée en rappel, ne nous a pas évité les clichés.

23 juillet. Le concert de Robert Glasper (ep) a connu quelques soucis techniques. Dès le premier morceau –«Tell Me a Bedtime Story», que Herbie Hancock avait enregistré dans son Fat Albert Rotunda il y a presque cinquante ans– le pianiste a eu des soucis avec ses claviers. Pendant que les techniciens essayaient de régler le problème, Casey Benjamin, avec son vocoder et son clavier Roland pendu autour du cou, a sauvé la situation. Après cela, son long solo au saxophone soprano, enveloppé par le jeu rythmique de Glasper, la basse de Burniss Travis II et la batterie Justin Tyson, a confirmé le caractère d'un groupe qui cherche à aller bien au-delà du jazz. Apparemment un peu trop au goût du public qui a en partie déserté la salle. Depuis ses débuts, Robert Glasper caresse l’ambitieux projet de réunir jazz et hip-hop, avec des fortunes diverses. Quand le groupe prend de l'intensité, en particulier grâce aux solos de Casey Benjamin et du guitariste Mike Severson, la formule fonctionne. Précédé par «Roxanne» du groupe Police, l’intervention de Casey Benjamin sur «Day to Day» a révélé une dimension plus sophistiquée du projet, qui a débouché sur «Gonna Be Alright» en rappel.

24 juillet. Herbie Hancock est revenu à Jazzaldia en faisant l’objet d’une double attente : d’une part, l’envie de voir une nouvelle fois cette figure mythique du jazz, de l’autre, découvrir les nouvelles tendances qu’il dessine. Dans le second cas, la principale attraction de ce concert fut Terrace Martin, un des saxophonistes actuels les plus en vue, par ailleurs producteur (notamment du dernier album de Herbie Hancock). Pour autant, peu d’espace fut réservé à ses solos, et il se concentra essentiellement sur les claviers et levocoder. Son dialogue avec Herbie n’en fut pas moins fluide. A la tête d’une formation qui comprenait également Lionel Loueke (g), James Genius (b) et Vinnie Colaiutta (dm), le pianiste a présenté un répertoire dominé par l'électronique et des effets qui ont modifié la texture de chaque instrument. Il y eut des moments assez brillants –en particulier une version risquée du populaire «Cantaloupe Island»-, mais d'autres («Come Running») où le groupe semblait déséquilibré, avec une batterie trop forte et des effets prenant trop d’ampleur. Une performance qu'Herbie Hancock a conclue avec son Roland pendu autour du cou pour jouer «Chameleon». Un départ funk-rock.

Théâtre Victoria Eugenia

22 juillet. Les pianistes Chano Domínguez et Stefano Bollani, lors d'une rencontre à quatre mains, ont entremêlé leurs styles dans une expérience inédite. Ils ont commencé par un morceau de Chano Domínguez («Míster CP»), puis de Stefano Bollani («Relaxing with Hamilton») pour enchaîner avec «Luisa» de Jobim. Beaucoup de complicité dans ces échanges autour des musiques de la Méditerranée, du Brésil, des airs flamencos mélangés à des chansons napolitaines et au swing; deux fortes personnalités parfaitement accordées et tout en maîtrise.

Musée San Telmo

La petite scène du Musée San Telmo a accueilli quatre concerts matinaux dédiés à quatre figures historiques du jazz dont on célébrait l’anniversaire: Ella Fitzgerald, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie et John Coltrane. Les musiciens qui ont participé à ces hommages sont des enseignants du Centre Supérieur de Musique du Pays Basque, Musikene, qui fêtait ses 15 ans.

21 juillet. C’est Deborah Carter (voc) qui a inauguré la sérié –accompagnée d’Iñaki Askunze (ts), Javier Juanco (g), Gonzalo Tejada (b) et Jo Krause (dm)- pour évoquer les 100 ans d’Ella Fitzgerald. La chanteuse a tenu son rôle avec naturel, démarrant sur «How High the Moon» et enchaînant nombre des succès qui ont jalonné la carrière d’Ella: «Satin Doll», «Comes Love», «Next Voyage», «It Don’t Mean a Thing», «One Note Samba», «Take Love Easy» et «A Tisket a Tasket» en rappel. Seule exception, «Bonito Tema», une pièce composée par le guitariste espagnol José Luis Gámez.

22 juillet. Le quartet d’Iñaki Salvador (p) –Andrzej Olejniczak (ts, bcl), GonzaloTejada (b), Borja Barrueta (dm)– marquait le centenaire de Thelonious Monk en interprétant les grandes compositions du pianiste : «Epistrophy», «Trinkle Trinkle» ou «I'm Confessin», lesquelles ont bénéficié d'arrangements ingénieux. Les temps forts furent le medley «Well You Needn't» / «Blue Monk» exécuté par Iñaki Salvador en solo  en piano soloainsi que l'introduction suggestive de Gonzalo Tejada à «Round Midnight» débouchant sur «Misterioso».

24 juillet. Pour les 100 ans de Dizzy Gillespie, le sextet de Chris Kase (tp) –Carlos Martín (tb, cga), Joaquín Chacón (g), Mariano Díaz (p), José Agustín Guereñu (b), Guillermo McGill (dm)– ne semblait pas à son affaire. On aurait en effet mieux vu Chris Kase rendre hommage à Chet Baker. D’ailleurs, le groupe n’a fait que survoler le répertoire de Diz, préférant exposer le sien, en dehors de l’inévitable «Manteca».

25 juillet. Enfin, c’est au septet de Mikel Andueza (as) –Bob Sands (ts), Miguel Ángel López (bar), José Luis Gámez (g), Francesc Capella (p), Víctor Merlo (b), Jo Krause (dm)– de commémorer les 50 ans de la disparition de John Coltrane. Ce fut une belle réappropriation, les trois saxes étant particulièrement en verve ainsi que le bassiste, avec un solo remarqué sur («Do You Hear the Voices You Left Behind», un morceau de John McLaughlin inspiré de «Giant Steps».

Place de la Trinidad

22 juillet. Charles Lloyd a reçu, à 79 ans, le prix Donostiako Jazzaldia 2017 sur la scène de la Place de la Trinidad, par le directeur du festival, Miguel Martín. Le saxophoniste a déclaré ne pas être un adepte des discours mais a remercié l’organisation du festival ainsi que le public présent. Puis, avec son groupe (Gerald Clayton, p, Reuben Rogers, b, et Eric Harland, dm) ila donné un concert qui a diminué en intensité et a augmenté en lyrisme au fil du temps. Il a commencé fort avec une évocation de Coltrane («Dream Weaver», 1966).Puis, accompagné de Clayton, il s’est enfoncé dans le folklore sud-américain via le blues. Sa musique dégageait une atmosphère de beauté et de sentiments difficiles à trouver chez d’autres. En fin de concert, il a repris deux compositions essentielles dans son répertoire: «Rabo de Nube» de Silvio Rodríguez et «Passin' Thru». Et à la demande du public, le quartet a effectué son rappel sur «La Llorona».

En deuxième partie, le concert du Saxophone Summit dévoilait l’absence de Dave Liebman, malade, compensée parGreg Osby (as) et Joe Lovano (ts), accompagnés de Phil Markowitz (p), Cecil McBee (b) et Billy Hart (dm). Les morceaux initiaux, basés sur des compositions de Lovano, ont semblé un peu lointains par rapport à la musique de Coltrane. La mayonnaise a cependant finit par prendre avec «Compassion» et «India».

23 juillet. Donny McCaslin n'est pas un débutant. Il  avait enregistré son premier album en tant que leader il y a 20 ans, et, depuis lors, a eu une trajectoire impeccable et s'est révélé être l'un des saxophones ténor les plus créatifs et intéressants du moment. Ce n'est pas par hasard si’il a été la clé de voûte à l'orchestre de Maria Schneider et du quintet de Dave Douglas des années durant. Avec Jason Lindner (kb), Jonathan Maron (b) et Nate Wood (dm), la formation de McCaslin a ouvert son catalogue de jazz progressif avec «Shake Loose». Il y a eu aussi des morceaux comme «Beyond Now» de son dernier album, et «Fast Future» en fin de concert. Il convient de mentionner en particulier la version instrumentale de «Lazarus» de David Bowie (appartenant au disque Blackstar), absolument mémorable sur laquelle le leader a construit un long solo d'une expressivité extrême.

En deuxième partie, se produisait Kamasi Washington (ts), très attendu. Un musicien plus intéressant comme compositeur et arrangeur que comme soliste. Il était déjà venu à Jazzaldia avec une petite formation il y a deux ans. Il semble classique sans être artificiel, invoquant des sons qui appartiennent à la mémoire du jazz bien que la majorité du public l’ignore et les associe à d’autres styles comme le funk ou la soul. Ni Washington, ni le tromboniste Ryan Porter, ne sont véritablement brillants, mais ils gèrent leurs ressources de façon intelligente et livrent des solos bien structurés. Il en va du même du reste de cette formation: Brandon Coleman (kb), Joshua Crumbly (b), Robert Miller (dm), Jonathan Pinson (dm), Patrice Quinn (voc) et même le père de Kamasi Washington, le saxophoniste Rickey Washington, qui a effectué une bonne intervention au soprano.

24 juillet. Deux performances sans intérêt se sont succédées: premièrement, le brass band Lucky Chops, dont la musique tenait tout au mieux de l’esprit de carnaval, puis, Macy Gray (voc), en petite forme et trop bavarde pour nous tenir en haleine sur le terrain de la pop et du R’n’B. La réunion de la chanteuse et du brass band en fin de soirée n’a réjoui que les inconditionnels.

25 juillet. Le concert d'Abdullah Ibrahim était, très probablement, le plus attendu de cette édition. Le pianiste effectuant une tournée dédiée auxJazz Epistles, l'un des groupes les plus importants de l'histoire du jazz sud-africain. Comme à son habitude, il a ouvert son concert par une longue pièce en piano solo. Cette introduction et deux longs passages en solo ont été les plus bouleversants de cette soirée, en passant du ténébreux au crépusculaire, en modelant délicatement l'harmonie. Peu à peu, le reste des musiciens s’est joint à lui. D'abord, Noah Jackson (cello) et CleaveGuyton Jr. (fl), Will Terrill (dm), Lance Bryant (ts), Andrae Murchison (tb) et Marshall McDonald (bar). L'invité spécial aurait dû être Hugh Masekela mais, suite à un accident, il a été remplacé par Terence Blanchard (tp). Ce dernier a su s’adapter à l’univers musical d'Abdullah Ibrahim et s’est intégré au groupe sans chercher à se mettre en avant. Un beau concert avec un final au sommet, introduit en trio piano, flûte, violoncelle.

Pour le deuxième set, Gregory Porter se présentait devant le public de San Sebastian pour la troisième fois. Sa voix et son répertoire continuent de croître même si on vérifie que sa ligne musicale a plus à voir avec la soul, le R’n’B ou même encore le gospel qu'avec le jazz. En tous cas, sa présence a dégagé des ondes positives, de «Take Me to the Alley» (qui donne son titre à son dernier album), à «Holding On» en passant par «On My Way to Harlem», exécutés sans artifice. Puis, profitant d’une petite averse, le chanteur, comme un pasteur s’adressant à sa paroisse, a entonné «Liquid Spirit» et enflammé le public. Il a poursuivi avec «Consequence of Love», une version de «Papa Was a Rollin' Stone», «Genocide Musicale», «Wade in the Water», un «Don't Be a Fool» tout en intimité et un hommage à Nat King Cole avec«I Love You for Sentimental Reasons», moment où il s'est approché du jazz. Gregory Porter a achevé sa prestation sans faille sur «When Love Was King».

Ayant vu son édition 2016 annulée quelques heures après l'épouvantable attentat sur la Promenade des Anglais le soir du 14 juillet 2016, le Nice Jazz Festival revêtait cette année un caractère bien sûr très particulier. Le jazz «symbole de liberté», selon les mots d'Herbie Hancock («ambassadeur de bonne volonté» à l'Unesco et parrain de l'édition 2017 du festival), se devait de surmonter l'adversité et de relever le défi en appliquant le slogan: «Peace, Unity, Love and... Having Fun».
Double programmation: d’un côté, la grande scène Masséna (souvent plus de 6000 spectateurs debout devant un mur de son phénoménal) dédiée aux têtes d’affiche à peu près toutes étrangères au jazz; de l’autre, la scène du Théâtre de Verdure (3000 places assises et une sonorisation plus mesurée), davantage tournée vers les amateurs de jazz, proposait des vedettes confirmées comme des révélations prometteuses (ce sont essentiellement ces concerts-là que nous avons suivis). Politique payante, en tous cas, du point de vue comptable puisque le festival a battu son record de fréquentation.

Lundi 17 juillet
Trombone Shorty (tb) ouvre le bal avec son «funk» à la sauce new orleans très appréciée du public de Massena pour sa fougue et son engagement dynamique et spectaculaire. Herbie Hancock conclut la soirée par un concert très fortement estampillé jazz-rock: Herbie Hancock (key, p), Lionel Loueke (g, key), Terrace Martin (as), James Genus (b) et Vinnie Colaïuta (dm), ne déclenchent pas franchement l'enthousiasme malgré (ou à cause d')un volume sonore démesuré excluant toute forme de nuances.
Au Théâtre de Verdure, le même soir, Renée Rosnes (p, arr) et son «Woman to Woman» –Cécile Mc Lorin Salvant (voc), Anat Cohen (cl), Melissa Aldana (ts), Ingrid Jensen (tp), Noriko Ueda (b), Allison Miller (dm)– créent l'événement. Sur des standards («Shadows» de Charlie Mingus, «Yesterdays» de Jerome Kern) ou des compositions personnelles («Barbudos»), les arrangements d'une grande modernité et le jeu splendide d'invention de ces jazzwomen d'exception (intervenant ensemble ou, tour à tour) font merveille, tandis que Cécile Mc Lorin Salvant reste simplement égale à elle-même: magnifique!
En seconde partie, Roberto Fonseca (p, voc) –entouré de Javier Zalba (fl, ts, cl), Jimmy Jenks (sax), Matthew Simon (tp), Yandy Martinez (b), Ramses Rodriguez (dm), Adel Gonzalez (perc) et Ucha (voc)–, élargit sa palette habituelle de couleurs africaines, tout en gardant les bases purement cubaines qui assurent son succès, pour une solide prestation en accord avec les canons du genre.

Mardi 18 juillet, Théâtre de Verdure
En début de soirée, Samy Thiébault (ts, fl), accompagné d’Adrien Chicot (p), Sylvain Romano (b), Philippe Soirat (dm), et Meta (perc, voc), obtient un succès mérité en reprenant quelques compositions issues de Rebirth, son dernier album (dont «Abidjan», «Nesfé Jahân»...) et quelques thèmes inédits (dont une composition du Vénézuélien Enrique Hidalgo). Avec fougue, élégance et originalité, ce citoyen revendiqué du «village planétaire» transporte ses auditeurs d'un continent à l'autre sans jamais s'éloigner du langage du jazz. Une prouesse.
Puis, vient Christian McBride (b) en quartet avec Josh Evans (tp), Marcus Strickland (ts, cl) et Nasheet Waits (dm). C'est un concert très attendu, car si le contrebassiste publie abondamment, ses apparitions sur les scènes de nos contrées ne sont pas des plus fréquentes. Sa prestation est à la hauteur des attentes. Dans un langage post-bop (avec des touches de free assumées), la maîtrise technique s'efface, toute au service d'une créativité enthousiaste et juvénile dont le dynamisme et la véhémence promettent encore au jazz quelques belles années. Standards ou compositions originales, ballades ou thèmes «up-tempo» tout est de la même qualité: exceptionnelle. Un concert magistral!
Pour conclure la soirée, après ce moment d'intensité maximale, la tâche consistait, pour Youn Sun Nah (voc) à ramener le calme et la douceur au Théâtre de Verdure. Soutenue par Jamie Saft (p, org, ep), Clifton Hyde (g), Grad Jones (b) et Dan Rieser (dm), sa frêle silhouette, sa voix fragile (lorsqu'elle parle, car lorsqu'elle chante, c'est tout à fait autre chose), et son attitude empreinte d'une hyper timidité ont conquis la foule des spectateurs encore scotchés à leur siège (et qui l'avaient déjà encensée lors de son dernier passage ici même il y a deux ans, dans un genre très différent). Avec une science du suspense «light» et un charme irrésistible,Youn Sun Nahprésente un répertoire composé de ballades soft et de thèmes musclés, en dominant parfaitement son sujet.

Mercredi 19 juillet, Théâtre de Verdure
Johnny O'Neal (p, voc) était soutenu par Ben Rubens (b) et Itay Morchi (dm). Interprète du rôle d'Art Tatum dans le film Ray, et membre des Jazz Messengers au début des années quatre-vingt, dont il cite d'ailleurs quelques thèmes, et au jeu très apprécié par le regretté Mulgrew Miller, le pianiste-chanteur est un inconnu à Nice. Il y livre une solide prestation dans le genre «trio piano/vocal post-bebop», où l'on relève l'influence d'Ahmad Jamal pour la qualité des ruptures de climats et de tempos et le toucher de piano, et une très belle maîtrise du chant et du scat. Surprise bienvenue pour une majorité de jeunes spectateurs peu habitués à entendre un jazz d'une facture aussi classique.
Tony Allen (dm) présente ensuite son hommage à Art Blakey avec Irving Acao (ts), Remi Sciuto (bs), Daniel Zimmerman (tb, tuba),Jean-Phi Diary (p, key), Indy Dibongue (g) et Mathias Allemane (b). Tout auréolé de son compagnonnage avec Fela Kuti, la star historique de la pop africaine, et à ce titre considéré comme l'un des créateurs de «l'afro-beat», Tony Allen se livre à un hommage très personnel tant par son jeu que par ses choix de rythmiques, radicalement décalées, évoquant plus l'Afrique que le jazz. Les thèmes «patrimoniaux» des Jazz Messengers deviennent ainsi difficiles à reconnaître, car quelque peu vidés de leur substance. La déception est toutefois tempérée grâce aux pointures qui composent l'orchestre, toutes capables d'improvisations fulgurantes.
Cory Henry (org, key), moins de trente ans, est déjà une star comme membre des «Snarky Puppy» un groupe «soul fusion»…Bref, il joue de l'orgue Hammond, a été baptisé au son du gospel et de la soul. De sacrés atouts. Mais les solides racines qui irriguent son jeu sont mises au second plan, pour une musique à la mode et sans profondeur. Il était accompagné de Adam Agati, Andrew Bailey (g), Darius Woodley (dm), Sharay Reed (b), Cassondra James et Matia Celeste (voc).

Jeudi 20 juillet, Théâtre de Verdure
Elève de Max Roach et Billy Higgins, le jeune batteur new-yorkais Daniel Freedman s'est déjà fait remarquer aux côtés de personnalités aussi différentes queSting, Angélique Kidjo, Anat Cohen, Lionel Loueke ou Dianne Reeves. A la tête de son quartet –Yonathan Avishai (p), Gilad Hekselman (g), Felipe Cabrera (b)–, il reprend les titres de Imagine That, son dernier album. Nourrie d'influences africaines (en particulier des Gnawas) orientales, sud américaines ou... gospel, c'est une musique limpide, sans aspérités inutiles, qui s'écoute avec beaucoup de plaisir.
Révélé par Avishai Cohen, le pianiste israélien Shai Maestro mène désormais sa propre carrière dans la mouvance «jazz contemporain». Un terme fourre-tout où il est de bon ton de revendiquer les mannes d'Erik Satie, Art Tatum, Claude Debussy, Jimi Hendrix, ou, qui sait...les tambours du Bronx... Si ce «mesclun» (comme on dit à Nice) a ses adeptes, le trio (complété par Jorge Roeder, b et Ziv Ravitz, dm) a livré un set grandiloquent.
Mais le concert attendu était celui réunissant Abdullah Ibrahim (p) et Terence Blanchard (tp), soutenus par Cleave Guiton Jr. (as, cl, fl, piccolo), Lance Bryant (ts), Andrae Murchison (tb), Marshall McDonald (bar), Noah Jackson (b, cello) et Will Terrill (dm). Né en 1934, le pianiste sud-africain Abdullah Ibrahim (soutenu autrefois par Duke Ellington, et à qui Paul Bley et Keith Jarrett doivent stylistiquement beaucoup) entame le concert en solo. En moins d'une vingtaine de minutes, c'est un medley magique. Sans les développer, il esquisse en quelques mesures les thèmes magnifiques qui ont construit son œuvre. On les reconnaît avec bonheur tout en pestant d'avoir oublié leurs titres… Quand il est ensuite, et très discrètement, rejoint par la flûte et le violoncelle, le public subjugué et ravi, est tellement respectueux et conscient d'être à l'écoute d'une des légendes vivantes de l'histoire du jazz qu'il ose à peine applaudir. Puis c'est l'orchestre tout entier, emmené par le trompettiste Terence Blanchard (dans le rôle réservé initialement à Hugh Masekela, l'autre icône du jazz sud-africain), qui reprend et développe les pièces précédemment évoquées. Le pianiste se fait moins présent, se contentant de ponctuer les prises de solos (tous superbes) des soufflants et d'introduire ou de conclure les thèmes, mais la musique garde la même intensité et la même qualité: sublimes. Ovation debout de plusieurs minutes légitime pour Abdullah Ibrahim, dans un Théâtre de Verdure bondé; incontestablement la plus grande personnalité de ce festival.

Vendredi 21 juillet, Théâtre de Verdure
Depuis quelques années, un concours national, ouvert gratuitement au public, se déroule sur plusieurs jours, organisé par la Ville de Nice et Imago prod, la petite mais valeureuse structure de David Benaroche, dévoué défenseur du jazz sur la Côte d'Azur. Ce Tremplin du NJF permet aux lauréats de se produire sur la scène du festival. Spirale Trio (Laurent Rossi, p, Philippe Brassoud, b, Jérôme Achat, dm, victorieux en 2016) et Pierre Marcus (b) Quartet (Baptiste Herbin, as, ss, Fred Perreard, p, Thomas Delor, dm, victorieux en 2017) étaient programmés pour un trop court set en ouverture de rideau sur la scène du Théâtre de Verdure. Sur des compositions personnelles, ces deux formations azuréennes pratiquent un jazz post-bop dynamique de très haut niveau. Ils obtiennent un beau succès devant des amateurs très exigeants. Evoquant Charlie Parker autant que Cannonball Adderley, le saxophoniste Baptiste Herbin fait très forte impression, mais ce n'est pas nouveau. Il suit un chemin qui va très bientôt le mener au tout premier rang. Idem pour Pierre Marcus, le jeune prodige de la contrebasse, issu du Conservatoire de Nice, qui surprend et enthousiasme chaque fois davantage en affirmant sa personnalité au fil des concerts.
Retour aux musiciens confirmés avec Henri Texier qui précise qu’il ne dirige en rien les membres de son «Sky Dancers»: Sébastien Texier (ts), François Corneloup (bs), Manu Codjia (g), Armel Dupas (p) et Louis Moutin (dm). Il présente des compositions personnelles, toutes dédiées à des minorités ethniques maltraitées, dont la plupart d'Amérique du Nord. Set superbe. Les thèmes sont splendides de musicalité et d'invention tant harmonique que rythmique, les arrangements tirés au cordeau et la section rythmique redoutable d'efficacité. Les solistes, s'emparant de ce matériau d'une solidité à toute épreuve, n'ont plus (facile à dire…) qu'à se laisser porter et laisser libre cours à leur imagination. Ce dont ils ne se privent pas. Le public, conquis, salue la performance par une ovation debout largement méritée.
Annoncé comme le fils spirituel de Pharoah Sanders voire d'Albert Ayler ou de John Coltrane (rien de moins!), Kamazi Washington (ts) avait, pour sa première venue à Nice, un sacré défi à relever. Entouré par son propre père, Rickey Washington (fl, ss), Brandon Coleman (p, keys), Ryan Porter (tb), Joshua Crumbly (b), Robert Miller (dm), Jonathan Pinson (dm) et Patrice Quinn (voc), le saxophoniste a donné un concert décevant. Hymnes pathétiques, déluges d'incantations des cuivres à l'unisson façon free jazz, feux roulants de batterie, stops chorus de saxo ténor (au très gros son) enflammés, mélodies reprises par une chanteuse hiératique, costumes africains… Un folklore qu'on croyait oublié. Harmonies le plus souvent minimales et rythmes simplistes mais véhéments, énergie débordante dans les tempos rapides, discours universalistes naïfs et lyrisme exacerbé dans les ballades. La recette est connue… Rien ne manque pour conquérir un auditoire prêt à se laisser emporter par ce tsunami.

Iseo, Italie

Vocalese Monk? Cela semble une contradiction dans les termes. Pour autant, Daniela Spalletta (voc) a osé transposer les thèmes et les improvisations de Monk au chant. C’est encore plus courageux (ou risqué!) si l’on considère l’absence d’instruments harmoniques. Dans le dialogue avec Alberto Fidone (b) et Peppe Tringali (dm), Daniela s’aventure avec désinvolture sur les lignes asymétriques de «Monk’s Dream» et sur les éclats impulsifs de «Straight No Chaser», témoignant d’une maîtrise dans l’articulation du phrasé, en dépit d’un spectre vocal encore limité. Monk se trouve encadré dans l’optique des autres: Joe Henderson dans le solo de «Ask Me Now»; Wynton Marsalis en asséchant la respiration orchestrale de «Four in One».

Un chant riche en profondeur caractérise Ada Montellanico, qui, avec son quintet, proposait le projet Abbey’s Road, une relecture passionnante du répertoire d’Abbey Lincoln. La chanteuse met son expression au service du collectif, interagissant avec Filippo Vignato (tb) et Giovanni Falzone (tp), auteurs d’arrangements efficaces. La capacité narrative et l’identification au texte ressortent, même dans des morceaux comme «Driva Man» et «Freedom Day», tirés deWe Insist! Freedom Now Suite de Max Roach, album-manifeste historique qui se plaçait dans le droit fil de la lutte pour les droits civils. Le phrasé fluide et la richesse des accents s’apprécient pleinement dans «Wholly Earth» chargé de polyrythmie africaine, et dans un «First Song» de Charlie Haden, exprimé avec des pauses judicieuses. Une concision riche en contenu caractérise les arrangements qui font ressortir les ensembles mais valorisent en même temps les équilibres entre Matteo Bortone (b) et Ermano Baron (dm), le phrasé incisif de Vignato, la finesse cristalline des constructions mélodiques de Falzone.

Depuis 1980 Tiziano Tononi (dm) et Daniele Cavallanti (ts) animent Nexus, avec l’objectif de développer, dans une perspective européenne, les exigences proposées par l’avant-garde afro-américaine des années 60 à 70, se tenant à une distance appropriée du free historique. Leur approche privilégie d’amples installations modales avec d’occasionnels glissements atonaux, de la polyphonie et des schémas d’appels et de réponses, des constructions polyrythmiques qui mettent en évidence, par intermittence, une matrice africaine. D’ailleurs Tononi est en quelque sorte débiteur aussi bien d’Andrew Cyrille que d’Ed Blackwell, tandis que l’approche au ténor de Cavallanti vient en grande partie de Dewey Redman. Cela démontre qu’en définitive à la racine de leur musique il y a aussi l’esprit révolutionnaire d’Ornette Coleman et de Don Cherry. Les contrastes et les combinaisons entre les autres voix instrumentales s’avèrent plus dynamiques: Alberto Mandarini (tp), Francesco Chiapperini (as, bcl), Emanuele Parrini (vln), Pasquale Mirra (vib) et Andrea Grossi (b).

Tandis quel les concerts qui se sont tenus sur le parvis de la Pieve di Sant’Andrea ont proposé cette remarquable densité de contenu, la soirée au Lido di Sassabanek a mis en confrontation deux approches totalement différentes du rapport entre le jazz et la musique populaire.

Shardana est le projet avec lequel Zoe Pia se confronte à l’héritage de sa Sardaigne natale. La jeune clarinettiste qui a mené aussi une activité dans le domaine classique, a rassemblé un quartet singulier formé de musiciens ayant comme elle joué avec le trompettiste Marco Tamburini, disparu prématurément il y a deux ans: Roberto De Nittis (p, kb), Glauco Benedetti (tuba basse), Sebastian Mannutza (dm, vln). L’idée de base est intéressante: partir de la répétitivité de certains motifs folkloriques, soutenus parfois par les typiques launeddas et l’enregistrement de chants traditionnels, pour développer des formes d’improvisation.

Le batteur Tullio De Piscopo, à qui a été remis le Prix Iseo, a derrière lui une carrière longue et variée. Animateur de la scène italienne depuis les années 70 De Piscopo peut se prévaloir de nombreuses et prestigieuses collaborations avec des artistes du calibre de Wayne Shorter, Bob Berg, John Lewis, Billy Cobham, Gerry Mulligan, Astor Piazzolla (pour n’en citer que quelques-unes). Comme batteur il est doté d’un swing impeccable, d’un drive fluide, d’un impressionnant contrôle des dynamiques et d’une fine musicalité. En outre, il est capable littéralement de faire «chanter» l’instrument, comme le montrent quelques-unes de ses figures modelées sur des phrases mélodiques: une caractéristiques qui lui vient sans aucun doute de ses origines napolitaines. A partir des années 70, De Piscopo s’est consacré aussi à la musique commerciale, mais toujours avec goût: avec le chanteur-guitariste Pino Daniele, et aussi à son compte à la fois comme chanteur et batteur. Dans le plaisant concert d’Iseo, on a pu apprécier les aspects variés d’une forme intelligente de divertissement: les polyrythmies de «Anticalypso», composées du guitariste Roland Prince pour le quintet d’Elvin Jones; le jazz-rock de «Toledo», du répertoire de Pino Daniele; un solo de batterie très «cantabile»: les succès commerciaux des années 70 comme les contagieux «Stop Bayon» et «Andamento lento»: de la soul et du funk à profusion dans les versions «napolitanisées» de «Sex Machine» de James Brown et «Cantaloupe Island» de Herbie Hancock. Pour démontrer que dans une interprétation moderne du concept de «populaire» -ou popular d’un point de vue anglo-américain- on peut conjuguer la perfection instrumentale, la musicalité, la créativité, le spectacle, et (pourquoi pas?) le divertissement.

Encore une fois donc, Iseo Jazz a su mettre sur le même plan –toujours avec une grande attention à la qualités des choix-recherche, innovation et tradition, le rapport entre l’actualité et l’histoire du jazz, sans jamais en oublier sa nature de musique populaire.

Montréal, Québec, Canada

Avec sa programmation sage (ce qui veut dire le plus possible de programmes conséquents en salle), le festival n’est rien moins qu’un merveilleux et fiable miroir de la scène du jazz du moment. Le Festival de Montréal, même s’il désire être dans la niche «avant-garde», fait sagement appel aux vieux chouchous et aux nouvelles coqueluches, ainsi qu’aux nouveaux courants dans le spectre des styles et des énergies du jazz de cette saison particulière; et cette année ne fit pas exception.

Parmi les groupes les plus pointus que j’ai rencontrés dans ces quatre jours, dès l’ouverture forte et typique au week-end de ce festival de dix jours, fut le nouveau All-Star Project Hudson (Jack DeJohnette, John Scofield, Larry Grenadier et John Medeski), et l’étoile qui arrive à maturité, le trompettiste et leader Ambrose Akinmusire avec son quartet, ainsi qu’un brillant duo du guitariste Bill Frisell avec son nouveau compagnon d’armes, le bassiste Thomas Morgan.

Cependant, d’une certaine manière, un puissant air d’aigre-doux millénaire planait sur les trois premiers soirs du festival, du moins pour ceux d’entre nous qui pensent que le trio, unique en son genre, The Bad Plus, est l’une des aventures jazz les plus fascinantes de ce millénaire. The Bad Plus, une variation malléable et mobile du vénérable contexte trio piano, perd son pianiste, Ethan Iverson, qui sera remplacé par Orrin Evans à la fin de l’année.

Ce changement majeur imposait une certaine mélancolie au rendez-vous «Invitation» pour les adieux à Montréal des trois concerts, tous nettement différents, dans l’église réformée, The Gesù (où se joue l’essentiel de la musique d’avant-garde). Un concert d’ouverture avec simplement le trio nous rappelait la proposition créative du groupe démocratique et cependant subversif en tant qu’unité: le pianiste Iverson qui n’est jamais dans l’exagération ou le théâtral bon marché, saupoudrait sa prestation d’ironie et d’invention, ayant formé un pacte avec le bassiste Reid Anderson (probablement aussi le meilleur compositeur des trois) et le batteur David King, créant une musique souple, émouvante, iconoclaste et qui se définit comme Hip: une musique vraie jusque dans ses termes artistiques. La liste des morceaux comprenait Anderson’s «Dirty Blonde» (le seul air qui fut répété dans la suite, le «répertoire à répétition», un syndrome dont beaucoup d’autres artistes ont été coupables), la version fraîche et éclairante par le trio de «Time After Time» (la chanson de Cyndi Lauper) et la sorte de vignette d’Iverson «Do Your Sums/Die like a Dog/Play for Home» et  King’s Rough 'n' Rangy «Wolf Out».

Mais comme il l’a montré à Montréal en 2017 aussi bien que dans une invitation précédente à une résidence ici, le trio peut facilement s’adapter à des situations où il se transforme en orchestre de «soutien» pour les solistes invités; dans ce cas l’agile saxophoniste alto, influencé par Bird, Rudresh Mahanthapa et le guitariste Kurt Rosenwinkel. Avec Mahanthapa, le groupe prit pour un soir des morceaux de grands saxophonistes alto, principalement Charlie Parker et Ornette Coleman, avec le spirituel  «Subcouinscious-Lee» de Lee Konitz dans le mélange. Pour le troisième soir ils se sont appuyés sur le monde du guitariste Kurt Rocsenwinkel, avec des airs de facture plus contemporaine qui allaient bien à la fluide virtuosité et à la voix musicale au penchant sérieux du guitariste.

A la Maison Symphonique de Montréal (qui abrite le Montreal Symphony), à l’architecture encore relativement nouvelle, avec son hall de concert à l’acoustique impressionnante, le vétéran Charles Lloyd, qui vieillit en beauté, a ouvert son set en présentant ses respects révérencieux à la pianiste Geri Allen, récemment décédée, et qui avait joué dans l’orchestre de Llyod pendant quelques années. Llyod était là avec son New Quartet: Gerald Clayton remplaçant Jason Moran au piano, avec la force robuste du bassiste Reuben Rogers dans la section rythmique, et l’imposant batteur Eric Harland qui maintient les fondations pour les pérégrinations variées de Lloyd.

Mais la véritable excitation et le cœur de ce deuxième acte vinrent plus tard, avec Hudson (ainsi nommé parce que tous les musiciens vivent dans l’idyllique Hudson Valley, au dessus du remue-ménage de New York). Comme on l’a entendu dans leur premier album et spécialement en direct, ces quatre-là s’entendent à merveille, amenant une atmosphère organique post-Miles au déroulement des événements (DeJohnette et Scofield appartiennent tous deux au club des ancien de Miles). Avec un matériau incluant des chansons de Jimi Hendrix –heureusement des morceaux moins courus comme «Wait Until Tomorrow» et «Castles Made of Sand»– le savoureux et nouvel original de Scofield «El Swing», «Woodstock» et «Dirty Ground» à la métrique bizarre de Bruce Hornsby (avec DeJohnette chantant, modestement mais sincèrement), Hudson fit vraiment une grande impression, offrant des souhaits pour la vie à venir dans le sol instable des groupes de jazz composé de leaders actifs à part entière.

Comme à l’habitude différentes factions du jazz étaient représentées à Montréal. Le Tip City Trio sans batteur de Christian McBride s’est aventuré en douceur sur le terrain Jazz and Pop, et le facteur jazz-rencontre-le-groove fut traité joliment par le Robert Glasper Experiment et les intrigantes idées de Donny McCaslin sur le sujet d’une esthétique du jazz injecté de rock. McCaslin a gagné récemment un légitime profil très médiatisé, grâce à son rôle dans le brillant album chant du cygne de David Bowie, «Black Star», et le set de McCaslin atteignit un haut point à minuit  avec la version sur les nerfs et cathartique du vieux classique de Bowie «Look Back in Anger». La nuit suivante au Gesù, l’excellent et polyvalent batteur du McCaslin Band, Mark Giluiana (également important sur Black Star), vint avec son propre quartet faire preuve d’un parfait talent pour slalomer entre les valeurs du jazz traditionnel et les énergies contemporaines.

Rosenwinkel lui-même était en bonne place avec son nouveau projet aux fortes saveurs brésiliennes, «Caipi», au sous-sol du bâtiment central du festival, l’Astral Night Club. Tout à fait en contraste la Maison Symphonique offrait son ambiance épique à des artistes singuliers développant de grandes idées –la star montante de la gauche-du-jazz, Colin Stetson, pour son captivant solo Saxophonic (incluant la gymnastique du souffle circulaire sur des «sonics» au saxophone basse), et le solo aventureux du jeune claviériste et chanteur débordant d’énergie, Tigran Hamasyan, globalement satisfaisant, mais parfois noyé dans les trucs et les machins.