Chroniques CD-DVD

Le guitariste est tombé dans le musette et la djangologie du côté de Nancy. Au Conservatoire de Bruxelles, il a travaillé la technique de l’instrument pour arriver à sanctifier ce swing à la française qui doit autant à Django qu’à Jo Privat. Au fil des valses, on remarquera le doigté léger et un très bon rendu des notes qui flirte avec le classique, comme si Matelo Ferré avait fait ses classes chez Paco De Lucia. Volubilité, aisance, swing : tout est réuni pour faire aimer, boire et chanter sur les places et dans les cafés, dans les clubs et les festivals au nord comme au sud de la Loire, de la Meuse et de la Moselle. A découvrir et à engager sans tarder !

C’est le premier album (avec neuf compositions originales) de Raphaël Debacker : un jeune qu’on a déjà souvent écouté (à Bruxelles) avec le band de Laurent Doumont (ts, voc), avec Marianna Tootsie (voc), Beverley Jo Scott (voc), Marc Lelangue (g, voc) ou Daniel Romeo (elb). Formé au piano dès l’âge de quatre ans, il s’est initié au jazz avec Eric Legnini (p) et au rythm’n blues avec Daniel Romeo. Son premier album est produit par Eric Legnini et Daniel Romeo dont on décrypte les influences dominantes : blues, soul, shuffle… Avec « Nearnes of You » au piano et « May I Know » (piano et orgue), Raf démontre qu’il a très bien assimilé toute l’histoire du jazz. Sa relecture au Hammond et en mode fifties de la composition de Wayne Shorter : « The Beauty and the Beast » est très réussie. « Rising Joy » met en valeur Cédric Raymond à la contrebasse alors qu’avec « Moony Mood » : il s’affiche le premier de classe de Dan Romeo. Sur « Full House » de Wes Montgomery : on épingle le même Cédric Raymond, mais aussi : le guitariste Lorenzo Dimaio, encore présent en superlatifs sur « Shaky Shake Blues ». Lionel Beuvens (dm) démontre à nouveau qu’il peut être présent dans l’héritage comme dans  la recherche. C’est au Hammond que je préfère Raphaël. Question de génération ? Son monde est fait de sourires, de swing, de joie et d’âme (« Oh, the Joy ! ») qu’il nous offre dans l’esprit de Dr. John (« C.C. Rider »), Les McCann ou Bobby Timmons. Let your soul coming out ! Come on and dance !

Jean-Pierre Bertrand poursuit depuis plus de vingt ans une carrière de pianiste de boogie. Et d’année en année sa manière gagne en maturité, ses albums en qualité. Nous retrouvons dans celui-ci sa matière habituelle, le boogie et le blues. Mais il présente l’originalité d’être en duo (quatre titres) et en trio (six titres), ce qui change quelque peu le ton général de son expression. Au programme, quelques standards de ses maîtres Albert Ammons, Meade Lux Lewis, quelques classiques… et plusieurs compositions personnelles, dont deux bien venues. Il est accompagné par Thibaut Chopin (b), qui sur « Down in The Alley » chante et joue de l’harmonica, et Lionel Grivet à la batterie. Les musiciens jouent bien et le groupe fonctionne parfaitement, y apportant de la variété (« The Bird of The Blues », « Hey Good Looking », « Honky Tonk », « Chicago Breakdown », « The Fives »).

Double album pour le pianiste-compositeur limbourgeois qui nous rappelle, au passage, qu’il est aussi le Directeur Musical de Viktor Lazlo pour le spectacle My Name is Billie Holliday (« Don’t Explain »).Par quelques lignes en pochette, Michel explique qu’il a cherché avec seize thèmes quelle relation existe entre l’homme et l’intelligence artificielle. Jusqu’où l’homme contemporain pourra-t-il suivre cette évolution ? Le questionnement inquiétant est pertinent avec « Choosing » qui arrive après quatre promenades romantico-champêtres, dont « Jasmine » : un song à la early-Jarrett, sans doute inspiré par le film de Woody Allen (Blue Jasmine). Le travail de Pino Guarraci est parfaitement clair pour balancer le pianiste en avant de ses accompagnateurs ; des accompagnateurs qui s’inscrivent parfaitement dans le tempo-breaks du drummer sur « Choosing », présence du bassiste sur « Augmented Tree », « Don’t Explain » et « My Ideal ». L’écriture du pianiste privilégie la légèreté et la profondeur ; ses relectures de standards comme « A Whiter Shade of Pale » et « Don’t Explain » – pour le tempo – témoignent d’une belle imagination. D’aucuns pourraient avancer qu’il manque de contrastes entre les morceaux, que les moods nous enfoncent au plus profond d’une bergère. Je préfère avancer que j’aime rêver et savourer les deux galettes lové dans un transat au couchant d’un soleil d’été finissant. Une petite brise ondoie l’eau du lac (« Out to Sea »). Je suis bien. Très bien !

Plus proche de Steve Lacy que des stridences de Dave Liebman, Jane Ira Bloom possède assurément une superbe sonorité de soprano et une maîtrise des nuances remarquables. Artiste lauréate de la NASA qui a même donné son nom à un astéroïde, Jane Ira Bloom construit sa vision de « 16 couchers de soleil » sur une citation de l’astronaute Joseph Allen décrivant les changements de couleurs dans la stratosphère. Cet impressionnisme aux couleurs chatoyantes se heurte malheureusement à une uniformité d’atmosphère. Seule la rumba « Ice Dancing » et « Primary Colors » développent une présence rythmique plus affirmée. Autrement, les ballades très lentes, presque funèbres, se succèdent sans solution de continuité. Le choix des compositions s’oriente vers des morceaux aux thématiques douloureuses et l’interprétation en est très sensible. Pourtant, Dominic Fallacaro est sans doute trop respectueux et en retrait. Peut-être des accompagnateurs moins sobres auraient-ils permis à la musique de décoller ? Malgré une certaine beauté formelle, l’élan émotionnel reste sur la même ligne, générant en définitive plus d’attentisme que d’exaltation.

Un album que le titre Wild Beautyqualifie parfaitement. C’est dans une effervescence de notes que l’orchestre de jazz de Bruxelles nous livre une Sonata Suite qui lui était destinée. Le premier morceau « Wild Beauty », empli de suavité, commence par un jeu de cymbales. Il est suivi de l’intervention gracieuse de Joe Lovano dont le solo se trouve finalement estompé par une orchestration trop puissante ayant tendance à écraser la finesse de son jeu. Le deuxième thème, « Powerhouse », livre un arrangement plus limpide. Un beau solo de Joe Lovano, plein d’entrain et de subtilité, une fluide utilisation rythmique des harmoniques qui s’arrête inopinément et ne donne pas l’impression d’avoir fini son discours. Lovano le reprend après des interventions perspicaces de Nico Schepers et Nathalie Loriers. Dans « Streets of Naples », l’arrangement s’inscrit véritablement dans la thématique de cet album. On y retrouve une ambiance carnavalesque où les influences de la musique dite « classique » sont prédominantes. Cependant, le moment de solo collectif, assez confus, manque de mettre en valeur les solistes et peut nous évoquer, sans grande difficulté, l’ambiance agitée que l’on connaît de Naples. Joe Lovano intervient avec dynamisme et profondeur mais on peut aussi entendre le manque de cohérence du guitariste par rapport au saxophoniste. Une belle orchestration finale qui cède la place du jazz à une musique autre. Dans « Big Ben », Joe Lovano introduit et utilise l’aulochrome dont les nappes de sons ne manquent ni de déferlantes ni d’impétuosité. Aussi, ce thème met en valeur les solistes et s’inscrit dans la lignée directe du blues. On y trouvera un beau solo de Lode Mertens, de Nico Schepers, les quatre saxophonistes soprano forment un discours individuel et collectif empli d’émotion grâce, entre autres, à une judicieuse passation de solo toutes les douze mesures puis à une alternance de 4/4. Une intervention de Bo Van der Werf, "out" du début à la fin, et un solo de Hendrik Braeckman ancré dans la tradition du blues. Ce morceau sonne comme une libération pour l’orchestre où les nombreux solistes s’en donnent à cœur joie. « Santuary Park » est un morceau plus introspectif où l’on peut entendre Jos Machtel, un peu timide à mon sens et insuffisamment mis en avant dans cet enregistrement, ainsi que les belles phrases délicates et attentives de Nathalie Loriers. L’arrangement de l’ensemble des compositions, réalisé de manière particulièrement métaphorique, peut laisser sceptique, il reste à certains moments très éloigné de l’essence du jazz. À l’écoute de ce disque, il apparaît clairement que Joe Lovano domine l’orchestre dont il est, plus qu’une apparition comme indiqué sur la jaquette, le leader incontestable. Par moments, on peut regretter le manque d’attention et de cohésion générale, particulièrement dans les solos, limitant quelque peu la nitescence des solistes. Une bonne section rythmique et un orchestre solide - malheureusement parfois limité par des orchestrations très condensées et extrêmement rigoureuses - laissent peu de place à la surprise et à la liberté auxquelles Joe Lovano nous avait pourtant habitué avec ses trios. Du côté technique, le mixage paraît manquer quelque peu de raffinement. Un enregistrement qui pourra plaire aussi aux amateurs d'un jazz plus "traditionnel" avec « Big Ben » qui respire le blues ou d’autres thèmes comme « Our Daily Bread », « Sanctuary Park », « Miss Etna » et « Viva Caruso » agréables à entendre.

On ne peut s’empêcher de se remémorer les concerts qui réunissaient Philip et NHØP … trente ans auparavant. A cette époque, Martin Wind avait 15 ans, Philip Catherine... 41 ! Après un excellent parcours new-yorkais, le contrebassiste allemand (45 ans aujourd'hui) s’est souvenu de cet album qui l’avait impressionné. Avec l’aide de Siggi Loch, il a pu concrétiser son désir de duo, effectuer une tournée et enregistrer la rencontre. Voici donc un fruit parfumé de respect mutuel. On peut admirer la légèreté et le sens profond du swing et de l’harmonie de Philip… Mais ceci n’est pas un scoop ! En revanche, la manière puissante dont Martin attaque les cordes, accompagne (« Old Folks »), dialogue (« Hello George ») ou double les tempos (« L’Eternel désir ») en bonne symbiose avec son aîné, ça : c’est remarquable et nouveau pour nous qui sommes familiers du travail souple de Philippe Aerts (b). Les compositions de Philip Catherine – ses standards – sont une nouvelle fois visités par des arrangements qui paraissent spontanés (« Toscane »). On perçoit dans l’enregistrement cette osmose qui a réuni les deux musiciens et on se demande qui emmène l’autre dans les accentuations (tension/détente sur « Fried Bananas »). Les leads sont alternés (exposition à l’archet de Wind sur « Winter Moon ») ; l’appropriation des chevaux de l’autre est naturelle, comme l’exposé de « Song For D » par Catherine sur une composition de Martin Wind. Vous dire que c’est encore un excellent album pour Philip Catherine : ça devient banal. Découvrez donc les autres couleurs de l’album, comme ces légères distorsions en up tempo et l’enthousiasme jouissif des deux sur le « Blues in the Closet » ! Woaw !

Blue State, Whadya Looking At ? Missing, Miriam Edwards New York Accent, Pup Pup, The Facts, Lydian Domination, Steppin’ Out

L’identité musicale de George Colligan n’a pas toujours été facile à saisir. Il a joué dans le Mingus Big Band, avec Phil Woods, Gary Thomas, Jack DeJohnette, Steve Wilson, Kurt Rosenwinkel, Chris McBride, Benny Golson, Mark Turner… Désormais enseignant et multi-instrumentiste (trompette, batterie, mélodica), il semble avoir aujourd’hui orienté sa musique dans l’esprit d’unstraigh-ahead contemporain influencé par Hancock, Corea et Miles. Cet album bénéficie de la somptueuse présence de Donald Edwards, un de ces batteurs qui savent conjuguer le muscle et les couleurs. La vigueur de Boris Kozlov n’est pas négligeable non plus. Ils apportent un élan rythmique que le pianiste ne génère pas toujours à lui seul. Quant à Jaleel Shaw (Roy Haynes quartet), son âpreté poétique dans l’esprit de Gary Bartz est décisive pour le grain de lyrisme râblé nécessaire à cette musique. Les deux morceaux en 5/4 (« Whadya Looking At ? » et « Pup Pup ») conjuguent joliment une certaine grâce et une indéniable puissance. La version de « Steppin’ Out » de Joe Jackson est à la fois littérale et jazzifiée avec beaucoup de verve. Il semble que George Colligan sache avec beaucoup de pertinence où il va, sans prétention mais avec application.

Pittsburgh (Pennsylvanie) est une ville qui a donné beaucoup de très grands musiciens (Earl Hines, Ray Brown, Art Blakey, Jeff Tain Watts, Billy Strayhorn et bien d'autres !). Comme tous ses prédécesseurs, c’est à l’étranger, et en Europe principalement, que Roby Supersax Edwards a gagné la reconnaissance de son talent. A moins de 40 ans, il nous donne un album digne de ses illustres devanciers.

The Inquiring Mind marque le point final de la carrière du batteur Chico Hamilton, décédé en novembre 2013 (Jazz Hot n°665). Hamilton y propose onze de ses compositions, six de ses partenaires et l’excellence de Juan Tizol « Perdido ».

En public, et seul au piano, Antoine Hervé, dont la réputation musicale n'est plus à faire, se propose d'analyser, commenter et démontrer avec beaucoup d'admiration et d'humour, et un grand sens de la pédagogie, les subtilités et l'originalité du jeu de piano de Keith Jarrett à travers quelques unes de ses œuvres les plus marquantes. La presque totalité des interventions étant filmées en contre-plongée sur le clavier, elles raviront les pianistes amateurs, qui n'ont pas eu la chance de fréquenter les classes de jazz des conservatoires, même s'il existe par ailleurs dans le commerce, de nombreuses transcriptions écrites des disques de Jarrett.

Deep Space, Solar, Stars Fell on Alabama, Between the Devil and the Deep Blue Sea, Somewhere, Everywhere Tonight, I Thought About You

Airegin, Moanin’, The Night has a Thousand Eyes, Ceora, One Liners, In a Sentimental Mood, Bolivia, In Your Own Sweey Way, What Is This Thing Called Love

Depuis une dizaine d’années, nombreux sont les jeunes musiciens français de jazz qui font le pèlerinage à la Jazz Mecca pour un séjour plus ou moins long dans l’effervescence troublante de Big Apple. On se souvient de Renaud Prenant (dm), de Thomas Bramerie (b), déjà dans les années 1990, de Xavier Richardeau (bs) au début des années 2000, d’Yves Brouqui (g), de Clovis Nicolas (b), plus récemment de Fabien Mary (tp) et de Laurent Courthaliac (p). Le phénomène mérite d’être mentionné eu égard au fait que cette démarche volontaire fut rare, et même rarissime, pendant la période (1946-1970) où le jazz connut sa petite heure de gloire dans notre pays ; seuls, les regrettés Georges Arvanitas et André Persiani tentèrent l’aventure américaine. Et, mis à part Michel Petrucciani et Jacky Terrasson pour des raisons spécifiques, les plus connus de nos artistes n’y firent en définitive que de brefs passages à l’occasion de tournées ou d’opérations ponctuelles (Stéphane Grappelli, Claude Bolling, Martial Solal).

Shall We Dance, Devil May Care, Singing in the Rain, Moon River, Cheek to Cheek, Let’s Fall in Love, Les Parapluies de Cherbourg, Just One of Those Things, Skylark, Bewitched, I Won’t Dance, J’ai vu, East of the Sun, Flor de Lis, Come On Up to the House

Beautiful You, Flight, Dit, Destiny, Haunted, Shmear, Cannonball, Beautiful, Ugly Beautiful, Relent, Retribution, After Retribution

New-yorkais d’origine, Billy Mintz a fait l’essentiel de sa carrière à Los Angeles, jouant avec Mike Garson et Stanley Clarke, Bobby Shew, Vinny Golia mais aussi Mose Allison, Mark Murphy, Bill Mays, Charles Lloyd, Bill Perkins, Frank Strazzeri, Pete Christlieb ou Alan Broadbent. Il pratique aussi le concert en solo absolu. Cet enregistrement est à l’image de cette carrière variée, à la fois celle d’un grand professionnel du jazz capable de s’adapter à des contextes divers et celle d’un artiste désirant développer une musique personnelle. Celle-ci navigue entre les ballades un peu éthérées (« Haunted » est une belle composition) et des structures invitant au free blowing (« Shmear » qui malheureusement s’effiloche un peu trop). « Dit » possède des airs monkiens prononcés mais la tension retombe avec un interminable solo de batterie (défaut de bien des albums de batteurs). Le chant de Roberta Piket n’est pas probant même si la composition « Destiny » est effectivement appropriée au chant. En revanche, c’est une soliste efficace, experte en couleurs et en vigueur. John Gross évoque Sam Rivers, John Gilmore, Pharoah Sanders, avec aussi des touches de Joe Henderson et Joe Lovano. Les ambiances sont assez sombres et l’ensemble paraît plus appliqué qu’enthousiaste (« Cannonball » est un blues plus languissant qu’explosif). « Beautiful » fait songer à « Naima » mais sa lenteur reste trop attentiste. On préfère « Ugly Beautiful », où Piket se fait davantage tynérienne mais de manière originale. Ce quartet doit sûrement être plus impressionnant en concert car, en studio, on remarque surtout un certain manque d’intensité dont « Retribution » et « After Retribution », dans l’esprit coltranien deLove Supreme, est l’exemple type. Une musique trop démonstrative ?

Let’s Make a Better World, Vous faites partie de moi, Baby What You Want Me to Do, Angel Kiss, Baby Won’t You Please Come Home, Mountain Blues, A quoi ça sert l’amour, Look Like Twins, Besame Mucho, Classified, Embraceable You, Hooties Blues, I Want to Be Evil, Bon Appétit, La Vie en rose

On se déplace bien pour aller écouter huit morceaux répétitifs (90 minutes) de piano solo de Brad Mehldau. Alors, pourquoi pas 64 minutes d’Ivan Paduart ? D’autant plus qu’Ivan, créateur prolifique, ne cherche pas à vous jeter de la poudre aux yeux avec un petit doigt atteint de la maladie de Parkinson ! Les créations du pianiste brabançon sont belles, délicates, nostalgiques souvent (« Forbidden Love », « Never Say Never », « Wait For Me »). C’est toute une vie qu’il nous dévoile : « To My Parents », « Childs », « Véronique » (sa compagne), « Igor » (son fils)… D’ailleurs j’adore Igor… Pas le fils, le thème ! C’est beau, c’est tendre comme du filet mignon !

Polyrythmie, mètres impairs, instrumentation originale (clarinette/vibraphone)… le Fo’Tet de Ralph Peterson, présenté sur les cinq premiers morceaux, ne manque pas d’ambition. La maîtrise impressionnante et le foisonnement des interventions n’empêchent pas un sentiment de trop grande préparation formelle. L’exotisme sonore et rythmique (« Bamboo Bends in a Storm », le « 4 in 1 » de Monk joué en clave…) et l’abondance percussive saturent vite l’écoute, d’autant que les ambiances apportées par le vibraphone sont assez uniformes. Le sextet est plus équilibré et aéré et évoque les groupes d’Art Blakey ou Joe Henderson des années 60 (« Coming Home », « Impervious Gems », « Pinnacle »). Les personnalités des solistes sont plus affirmées et lyriques, notamment le flamboyant Sean Jones et le funky Eddie Bayard. La vitalité de Ralph Peterson est ici plus libre, moins réfléchie, et les grooves, malgré leur profusion, appartiennent plus naturellement au langage du jazz. Les ballades possèdent également un chatoiement plus séduisant. La tentation de la complexité et de l’innovation, d’autant plus forte que l’expérience et la maîtrise sont évidentes, aboutit parfois à une forme d’enfermement ou d’oubli. La revendication de racines affichée en couverture (Blakey, Michael Carvin, Elvin Jones…) garantit pourtant une richesse d’expression potentiellement porteuse de rafraîchissantes créations comme le montre bien la deuxième partie de cet album.

Richard Razaf est originaire de Madagascar. Après des études au conservatoire de La Réunion avec François Jeanneau puis avec Andy Emler, Denis Badault, etc., il vient tout naturellement travailler en Europe et surtout à Paris où, depuis le début des années 2000, il se produit dans les clubs. Sa sensibilité le fait remarquer. Cet album, qui fait largement référence à ses origines, est le premier en tant que leader. Comme souvent dans un premier opus, le musicien a voulu faire une présentation large de ce qu’il sait faire, en particulier jouer ses propres mélodies. Il y a de ce fait un assemblage d’univers assez hétéroclites. Accompagné par Remi Chemla et Thierry Tardieu, il nous donne néanmoins quelques jolies faces comme « Ballad for N », « Namana » ou « Kanto » et avec Benoit Raffin « Diavolana ».

Titres détaillés dans le livret
Daniel Roure (p, voc), Paul Pioli (g), Francesco Castellani (tb), Fabien Giacchi (b), Gilles Alamel (dm)
Enregistré en mars 2001, Marseille
Durée : 42' 38''
Autoproduit (www.danielroure.com)

Daniel Roure a vu son album Le Temps d'un jazz diffusé à plus de 6 millions de fois sur Radio Pandora (USA) avec le titre « Les Baleines Bleues ». Il a fait une percée remarquée dans l'audimat des radios internet, aux Etats Unis, au Canada et en Australie. Bigre ! On est impressionné ! Daniel Roure possède une voix très agréable, bien timbrée avec une diction parfaite, de la décontraction, du charme. Je lui trouve parfois des accents à la Jean Sablon surtout dans le grave et les tempos lents où il fait preuve d’une grande douceur.
Pour ce disque il s’est entouré d’excellents jazzmen du Sud-Est de la France. On retrouve parfois un certain parfum du King Cole trio avec Pioli dans le rôle d’Oscar Moore et Giacchi dans celui de Wesley Prince comme par exemple dans « J’ai vu », avec en plus un batteur discret. Ça balance bien. Un joli solo de trombone, très chantant sur « Un petit bateau », genre bossa. Tous les solos de trombone sont très bien, ainsi que ceux du guitariste. « Je lis là », qui est en fait une adaptation de « Rosetta » est peut-être le meilleur moment du disque, sorte de chanson swing qui colle parfaitement au groupe. D’ailleurs d’autres morceaux au titre français sont aussi des adaptations de standards, indiquées sur la pochette. Le morceau « Les Baleines bleues » a beaucoup de charme et d’allant tranquille, pas étonnant qu’il fasse un malheur chez les anglo-saxons qui goûte cette French Touch, avec la sonorité du français en prime. La première chanson nous dit « C’est le temps d’un jazz d’antan », c’est tout à fait cela, de la belle chanson swing avec des paroles intelligentes, le tout dans un bel écrin musical.

Thomas Savy faisait partie des jeunes pousses des années 1990 promis à bel avenir. A 41 ans, il enregistre, après Archipel (2006) et French Suite (2010), son troisième album en leader à la clarinette basse en compagnie des mêmes musiciens que ceux qui participèrent à l’enregistrement du premier en 2004. Ce programme comporte, pour l’essentiel, des compositions personnelles, mises à part « O'McHenry » (Karl Jannushka), « Bad Drummer » (Stéphane Kerecki), « Lazy Man Blues » (Michael Felberbaum) et « Misterioso » (Thelonious Monk). Il y reprend en outre « Stones » qu’il avait déjà enregistré dans French Suite. On y retrouve l’aisance absolue du musicien tant dans la construction du discours que sur l’instrument. Le timbre chaleureux et l’élégance de la clarinette basse mettent en relief son interprétation d’une musique exigeante. Ses partenaires sont à son diapason et participent à l’œuvre avec attention. A signaler « No Time No Time », « Anyway », « O’McHenry », « Bad Drummer », « Kind of Potts » et une très belle version de « Misterioso ».

Ces dix pièces composées par Jacques Schwarz-Bart font référence à ses racines caribéennes et à son pays, Haïti. Si, au plan mélodique et rythmique, ces faces ne sont pas inintéressantes, il n’est pas permis de les rattacher à l’idiome du jazz ; manque l’élément rythmique référent indispensable, le swing. Réunir des cuivres, une batterie, une basse, des percussions et jouer de la musique rythmée ne saurait suffire à en définir le résultat en tant que « jazz ». Sans être dénuée de valeur, son originalité, qui est d’une autre nature, réside ailleurs. Par conséquent, invoquer le jazz, fût-il « Racine Haïti », constitue une posture voire une imposture que la qualité évidente de ces compositions ne méritent pas.

Titres communiqués sur le livret

Night Train, Hummin’, Better Get Hit in Your Soul, Back At the Chicken Shack, What I’d Say, Blue Seven, Senor Blues, Hellelujah I Love Her So, C Jam Blues, Eddie’s Blues, Moanin’, Mamacita

Daniel Smith est bien connu pour être le seul bassoniste du jazz. Honneur à double tranchant qui pose à lui seul une véritable question : le basson est-il fait pour le jazz ? Daniel Smith, qui interprète par ailleurs Vivaldi et le répertoire classique du basson, aime et connaît le jazz. Il aime jouer du jazz sur l’instrument qu’il maîtrise et nul ne saurait le lui reprocher. L’intérêt artistique est cependant moins assuré pour l’amateur de jazz. La prise de son donne un côté amateur à des musiciens pourtant accomplis, en particulier Greg Lewis. Question basson, la justesse discutable (même au titre du blues) est aggravée par le choix de le joindre au violon, ce qui fait beaucoup en terme d’audace sonore. Le choix de grands classiques du blues, appelés à provoquer l’exultation, n’aboutit pas forcément une fois l’exposé du thème effectué. Un certain dénuement un peu brut se fait même sentir (« Hummin’ »). C’est une bonne session entre amis mais pas une œuvre impérissable.

Lullaby of the Leaves, All Too Soon, Wrap Your Troubles in Dreams, Bess, You Is My Woman Now, Gone with the Wind, I Can't Get Started, Elite Syncopations, Echoes of Spring, Snowy Morning Blues, Poor Butterfly, I Hadn't Anyone 'till You, Tea for Two, Two Sleepy People, Bodhisattva Blue
Spike Wilner (p)
Enregistré en juillet et août 2010, New York
Durée : 58' 18''
Smalls Live 0016 (www.smallslive.com)

Le parcours de Spike Wilner est bien connu des lecteurs de Jazz Hot puisque nous l’avions rencontré en 2004 (n°612) et, fort récemment, en avril 2014 (n°667). Il est devenu une figure respectée du jazz new-yorkais, non seulement par sa position créative (et équilibriste) de musicien-patron de club, mais par la maîtrise musicale qu’il affirme à chacune de ses interventions dans des contextes esthétiques très variés. En solo absolu, Spike Wilner parvient à s’exprimer avec beaucoup de sensibilité. Il n’a aucune prétention à tenir des discours ou jouer avec des concepts : il se contente d’affronter les quatre-vingt huit touches avec une pureté d’esprit remarquable. Il n’est pas pianiste de bebop, ni pianiste contemporain, ni rien d’autre. Il est simplement lui-même. Il faut être sûr de soi pour aborder James P. Johnson, Scott Joplin ou Willie the Lion Smith, qui constituent il est vrai des influences de longue date. On pourrait assurément ajouter Tommy Flanagan et Hank Jones dont Spike tire une approche de l’interprétation faite de nuances et de musicalité, de risques et d’audace, d’émotion et de subtilité. Sa délicatesse épurée est constamment ancrée dans le swing : il fait ainsi ressortir la beauté des mélodies tout en s’appuyant sur ces compositions pour mettre en avant ses propres inventions. Sans le spectaculaire et les urgences de la frivolité contemporaine, il reste l’essentiel du jazz. Une musique de maturité, loin des artefacts à la mode, loin des poses esthétiques.