Rémi Abram • Act Big Band • Antonio Adolfo • Cyrille Aimée • Monty Alexander • Louis Armstrong • Dmitry Baevsky • Emmanuel Baily • Kenny Barron • Count Basie • Daniel Bechet & Olivier Franc Quintet • Lionel Belmondo Trio • Belmondo Family Sextet • Airelle Besson • B.F.G • François Biensan Octet • Ran Blake • Claude Bolling • Céline Bonacina • Frederic Borey • Bossa Nova in USA • Christian Brazier • Dee Dee Bridgewater • Katie Bull • Jean-Yves Candela • Eva Cassidy • Joe Castro • Frank Catalano / Jimmy Chamberlin • Joan Chamarro & Andrea Motis • Tom Chang • Fred Chapellier • Cyrus Chestnut • Pierre Christophe • Popa Chubby • Chris Cody • John Coltrane • Sam Coombes • Laurent Coulondre • Philippe Crettien • Dal Sasso-Belmondo Big Band • Guy Davis • Miles Davis • Pierre de Bethmann • Riccardo Del Fra • Jean-Pierre Derouard • Lorenzo Di Maio • Aaron Diehl • Lucy Dixon • Doré Marthouret Quartet • Philippe Duchemin Trio • Mark Elf • Andy Emler MegaOctet • Emler / Tchamitchian / Echampard • European Jazz Cool • European Jazz Sextet • José Fallot • Claudio Fasoli • Nicola Fazzini • Franck Filosa • Clare Fischer • Dominique Fitte-Duval • Ella Fitzgerald • Chico Freeman • George Freeman & Chico Freeman • Larry Fuller • Champian Fulton • RichardGalliano / Jean-Charles Capon • Melody Gardot • Erroll Garner • Viktoria Gecyte / Julien Coriatt Orchestra • Stan Getz • Aaron Goldberg • Guitar Heroes • Jeff Hackworth • Rich Halley • Hard Time Blues • Phi Haynes • Fred Hersch • Robert Hertrich • Lisa Hilton • Chris Hopkins & Berndt Lhotzky • Ramona Horvath • Hot Club de Madagascar • Sylvia Howard • Abdullah Ibrahim • Chuck Israels • Ahmad Jamal • JazzAccordéon • JCD 5tet • Nicole Johänntgen • Jessica Jones • Quincy Jones • Kassap / Touéry / Duscombs • Manu Katché • Hetty Kate • L'Ame des Poètes • La Section Rythmique • Christophe Laborde • Prince H. Lawsha & Frédérique Brun • Le Jazz à l'écran • LG Jazz Collective • Susanna Lindeborg • Frédéric Loiseau • Claude Luter / Barney Bigard • Christian McBride • Les McCann • Pete McGuinness • Kirk MacDonald • Mack Avenue SuperBand • Richard Manetti • Manhattan School of Music • Roberto Magris Septet • Perrine Mansuy • Delfeayo Marsalis • Fabien Mary • Tina May • Merlaud / Rebillard • Jason Miles / Ingrid Jensen • Jean-Marc Montaut • Wes Montgomery • Christian Morin • Ed Motta • Kevin Norwood • Guillaume Nouaux • Austin O'Brien • Jean-Philippe O'Neill • On Air & Fabrizio Bosso • Paris-Calvi Big Band • Paris Jazz Big Band • Charlie Parker • Michel Pastre • Jeb Patton • Alain Pierre • Antoine Pierre • Lucky Peterson • Enrico Pieranunzi • Valerio Pontrandolfo • PG Project • Cecil L. Recchia • Eric Reed • Walter Ricci / David Sauzay Quintet • François Ripoche / Alain Jean-Marie • George Robert • Duke Robillard • Manuel Rocheman / Nadine Bellombre • Jim Rotondi • David Sanborn • Julie Saury / Felipe Cabrera / Carine Bonnefoy • John Scofield • Eric Séva • Ben Sidran • Frank Sinatra • Steve Slagle & Bill O'Connell • Wadada Leo Smith • Curtis Stigers • Lew Tabackin • Ignasi Terraza • Virginie Teychené • Claude Tissendier • Samy Thiébault • Sarah Thorpe • Baptiste Trotignon • René Urtrerger • Jacques Vidal • André Villéger / Philippe Milanta • Heinrich Von Kalnein / Michael Abene • Reggie Washington • Muddy Waters • Big Daddy Wilson • Miguel Zenón

Perpetual e-motion, Contagion, In the interstice, Mondeville juillet 2013, Interfacing you, Altered asymmetries, Fault lines, Go re-configure, Pace of change, perpetual e-motion (alternate take)
Sam Coombes (as, ss), Yoni Zelnick (b), Julien Charlet (dm)
Enregistré le 5 décembre 2013 et le 7 janvier 2014, Paris
Durée: 58'36''
Pol-e-Math Recordings SCPR01 (Socadisc)

Un saxophone (alto ou soprano) une contrebasse, une batterie, voilà bien la forme de trio la plus audacieuse et la plus exigeante. Si le choix délibéré et le mélange de métriques impaires ne facilitent pas la perception du swing, en revanche, ceux-ci subliment celle du groove, omniprésent. Très dynamique, la section rythmique donne le tournis à l'auditeur et des ailes au soliste. Servie par des virtuoses de leur instrument et, affranchie de tous les codes habituels, cette musique riche, pleine de surprises et de ruptures ne manque ni d'originalité, ni d'énergie. Complexe, elle exige toutefois une écoute très attentive pour être appréciée à sa juste valeur.

Intégrale Vol. 7, Just Friends, 1949-1950
Intégrale Vol. 8, Laura, 1950
Intégrale Vol. 9, My Little Suede Shoes, 1950-1951
Intégrale Vol. 10, Back Home Blues, 1951-1952
Intégrale Vol. 11, This Time The Dream’s on Me, 1952
5 coffrets de 3 CDs avec livrets et discographies détaillés par Alain Tercinet
Enregistrés de 1949 à 1952
Durée: environ 18h d’enregistrement
Frémeaux & Associés 1337-1338-1339-1340-1341

La maison Frémeaux, avec le concours d’Alain Tercinet à la plume et à l’érudition, poursuit avec talent et conviction cette intégrale essentielle, et on s’en réjouit, bien qu’elle précise toujours avec modestie les limites de l’exercice. Il est en effet très étonnant de constater que Charlie Parker, mort à 35 ans, a laissé une telle profusion d’enregistrements, qu’ils soient officiels, pirates ou quasiment clandestins. Quelle que soit la qualité sonore, toute note de Charlie Parker, comme on peut le dire de Louis Armstrong, est précieuse. Autre paradoxe d’ailleurs, car si Louis Armstrong les distillaient avec une économie certaine, l’art de Charlie Parker plonge ses racines esthétiques dans la profusion tatumesque, autant dire qu’il remplit l’espace et que les silences sont rares, l’intensité trouvant curieusement son compte dans la profusion de l’un et l’économie de l’autre, le mystère et la diversité du génie.
Dans le septième coffret, on débute par les concerts au Carnegie Hall, placés toujours sous l’égide du blues. Le constat est fait dans ce cadre, dès 1949, qu’il n’y a aucune rupture et révolution, puisque se côtoient les générations fondatrices et nouvelles (de Lester Young à Charlie Parker), sans aucun hiatus, le langage est celui d’un jazz hot où le swing, le blues sont les maîtres mots, même si le grand enfant provocateur, Charlie, affirmait le contraire comme le raconte Alain Tercinet. L’ajout que Lester ne l’avait pas influencé, relaté par Tercinet, étant sans doute l’habituel petit jeu avec la critique de dire le contraire de ce qu’on pense pour alimenter une provocation dont les racines sont particulières au monde afro-américain. Ce type de relation avec les médias, plus attentif au sensationnel qu’à l’essentiel, ne s’arrêtera pas là. Nous, oui. Parlons plutôt de ces quatre premiers thèmes qui ont l’avantage de nous présenter des enregistrements longs où le blues est roi, comme toujours chez Parker, et bien entendu les Lester, Roy Eldridge, Buddy Rich, Flip Phillips, et les jeunes Ray Brown et Hank Jones ne s’en laissent pas conter. C’est splendide!
On passe ensuite à ce qui fera polémique pour les amateurs de jazz tant qu’il y en aura… Le jazz est-il compatible avec les violons? Ce n’est pas une question de système ou de technique, mais de personne. Charlie n’est d’ailleurs pas le premier à l’avoir tenté, et il ne sera pas le dernier. On ne reprendra pas la polémique, et on répondra oui, quand le musicien s’appelle Charlie Parker (ou Ben Webster, ou Wynton Marsalis…), mais il n’est pas donné à tous les musiciens de pouvoir survoler des cordes, magnifiquement arrangées ici, avec beaucoup d’intelligence. C’est parfois aussi une question de moment ou de production. Charlie Parker a cette liberté extraordinaire de ne pas altérer son discours, et de savoir imposer son discours avec un lyrisme serein, pour cette fois, mais aussi avec la maestria du soliste d’exception, qualité qui en impose à tous, musiciens classiques en particulier. C’est sans nul doute un chef-d’œuvre de l’histoire de la musique tout court. Parce que Charlie Parker est sans doute un génie naturel, comme Django, de l’histoire de la musique, et qu’il s’impose à tous les langages. Son «Summertime» est digne de celui de Sidney Bechet qui a en a fait une autre merveille de l’humanité dès 1939 – avec Meade Lux Lewis (p) Teddy Bunn (g) Johnny Williams (b) Sidney Catlett (dm) et en 1947 avec James P. Johnson (p) Danny Barker (g) George Pops Foster (b) Warren Baby Dodds (dm). Années des Dieux donc! Ceux du jazz, en l’occurrence. Mais ce disque avec cordes est dans son ensemble un bonheur absolu, un événement musical. Le problème avec Charlie Parker, c’est que le reste de ce coffret est aussi essentiel, et toujours à cause de lui, même s’il est toujours bien entouré dans les petites formations, de jeunes (Roy Haynes, Art Blakey, Red Rodney…) ou moins jeunes (Bud Powell, Fats Navarro, Al Haig…). Il faut aussi remarquer ses thèmes: «Ornithology», «Cheryl», et malgré l’avalanche de notes, tout est mélodieux, clair, intense, parfait!… et à base de blues qu’il grave sur mille facettes comme un diamantaire. Sur le blues, Charlie Parker semble inépuisable, et il se permet de citer l’introduction de Louis Armstrong de «West and Blues» dans le cours de son chorus, histoire de provoquer sans doute… ou de rappeler à quel monde il appartient pour ceux qui ont des oreilles. Le jeune Red Rodney est un sacré musicien pour suivre le torrent sur «Koko». Le lyrisme à la Lester reprend parfois le dessus, mais les idées de Charlie se bousculent, et sa façon de les exploiter impose un discours plus foisonnant et débridé que celui de son aîné.
Pour la suite, avec Fats Navarro, un autre extra-terrestre, de la trompette, le métronome est définitivement mis de côté. Conserver, comme Tatum, un tel sens de la mélodie, sur un tel tempo, avec un tel débit, relève de la prouesse mais aussi du génie musical. Fats Navarro ne refuse pas le challenge, et il ne faut pas moins que Bud Powell, Curley Russell et Art Blakey pour suivre ce train d’enfer sans lasser. L’un des facteurs qui rend cette musique si spéciale est aussi l’intensité. Les grandes voix du jazz, de Louis à Hawkins, en passant par Duke, Basie, Ella, Billie, Bessie, Mahalia, Lester, Benny Carter, Bud Powell, Dizzy, Monk, Mingus, Coltrane, ont en commun cette sur-intensité qui attire tous les publics, même profanes. En ce début des années cinquante, Parker alterne donc entre la formation avec Fats Navarro, Bud Powell, Blakey et celle avec Al Haig, Red Rodney et Roy Haynes et, égal à lui-même, il exploite un répertoire assez balisé de ses compositions, celles de Thelonious Monk ou les standards. Du grand art!

Back Home, Détachement, No Other Way, Black Rainbow, Lonesome Traveler, September Song, Inner Peace, Open D, Santo Spirito
Lorenzo Di Maio (g), Jean-Paul Estiévenart (tp), Nicola Andrioli (p, key), Cédric Raymond (b), Antoine Pierre (dm)
Enregistré en Novembre 2015, Bruxelles
Durée: 55' 47''
Igloo Records 273 (Socadisc)

Né dans une famille de musiciens, Lorenzo Di Maio a choisi la guitare à l’âge de 15 ans. Il a suivi des cours avec presque tous les guitaristes qui font autorité en Belgique: Paolo Loveri, Paolo Radoni, Jacques Pirotton, Peter Hertmans… En 2009, diplômé du Conservatoire de Bruxelles, remarqué par ses pairs, il joue aussi bien du dixieland avec ses oncles(Jo et Santo Scinta) que de la soul avec Laurent Doumont (ts, voc). Initialement influencé par Aaron Parks, John Scofield et Pat Metheny («Open D»), son jeu s’est enrichi au contact des musiciens de sa génération. C’est avec Fabrice Alleman (cl, sax) et le groupe 4in1 de Jean-Paul Estiévenart (tp) qu’il se fit particulièrement remarquer. Black Rainbow est le premier disque à son nom; il y signe toutes les compositions. Elles sont le reflet de ses acquis. Alors qu’on s’imaginait découvrir neuf plages énergiques, le guitariste dévoile une sensibilité pour les harmonies délicates (solo de guitare sèche en coda de «Santo Spirito»)et un feeling tout en couleurs et nuances («Black Rainbow», «Lonesome Traveler»). Les mélodies sont agréables et structurées rigoureusement («September Song»). Les sidemen, attentifs aux riches arrangements, fusionnent dans l’écriture du leader, y puisant leur propre force créative. Ils sont tous majestueuxen solos ! Nicola Andrioli (p/«Detachement» & «September Song») et Jean-Paul Estiévenart (tp/«No Other Way», «Lonesome Traveler») occupent des places de choix. Mention spéciale aussi pour les ponctuations originales d’Antoine Pierre (dm) à la cymbale cloutée («Lonesome Traveler») et les solos dans «September Song» et «Santo Spirito». Outre le fait qu’on découvre un nouveau et séduisant compositeur-arrangeur, le plus remarquable: c’est que nous sommes à l’écoute d’un travail de groupe. Ecoutez, par exemple: l’accompagnement du guitariste (plusieurs guitares) sur le solo de basse de «Black Rainbow»; l’exposé et les questions-réponses trompette/guitare de «Santo Spirito». Ce quintet est la réunion de ce qui se joue le mieux à Bruxelles aujourd’hui. Notez bien leurs noms, vous allez les retrouver un peu partout, individuellement ou en groupe, de New York à Tokyo, de Reykjavik à Cape Town dans les années qui suivent… Parce qu’ils le valent bien!

It Don’t Mean a Thing*, Sophisticated Lady°*, I’m Beginning to See the Light*, Perdido, Rocks in My Bed, Love You Madly°, In a Sentimental Mood, Don’t Get Around Much Anymore, Duke’s Place**, Come Sunday, Just Squeeze Me, Caravan**
Sylvia Howard (voc), Christian Bonnet, Antoine Chaudron (ts), Georges Dersy (tp), Jean-Sylvain Bourgenot (tb), Jacques Carquillat (p), Jean de Parseval (b), André Crudo (dm) + Claude Carrière° (p), Jean-Jacques Taïb* (cl), Didier Vétillard** (ss)
Enregistré en 2014, Ermont (95)
Durée: 52’ 06’’
Black & Blue 797.2 (Socadisc)

Paris possède peu de chanteuses de la trempe de Sylvia Howard. Il est d’autant plus dommage qu’on l’entende si peu en club et qu’elle n’en soit, à ce stade de sa carrière, qu’à son deuxième disque sous son nom (après Now or Never, Black & Blue, 2012), toujours accompagnée par le Black Label Swingtet de Christian Bonnet. Mais les personnages comme Sylvia, aussi talentueux que fantasques, ont des natures mal adaptées à notre époque normative qui a laissé les professionnels de la culture et du showbiz prendre le pas sur les grands producteurs à l’oreille avertie. On sait donc gré à Christian Bonnet d’avoir permis une nouvelle fois à la chanteuse de s’exprimer, qui plus est sur le plus beau des répertoires: la musique de Duke Ellington. Ellingtonien passionné, le ténor signe d’ailleurs les arrangements (sans fioritures) de cet album. La performance de Sylvia Howard est évidemment à la hauteur de nos attentes: son swing, ses belles intonations blues, sa voix légèrement rauque font merveille et l’on attrape des frissons avec «Come Sunday» où elle livre une interprétation aussi sensible que puissante. Le Black Label Swingtet et ses invités soutiennent honorablement Miss Howard, mais pour tout sympathique qu’il est, cet orchestre, essentiellement composé de musiciens non professionnels, ne parvient pas à se hisser au niveau de l’interprète principale. Hormis Jean-Jacques Taïb – qui est excellent à la clarinette –, aucun soliste ne retient vraiment l’attention.
On rêve encore que Sylvia Howard fasse l’objet d’un véritable projet construit autour de sa personnalité et réunissant des musiciens capables d’entrer en dialogue avec elle. Il n’en manque pas, notamment à Paris. Reste à savoir s’il reste des acteurs du jazz suffisamment imaginatifs pour s’emparer de l’idée.

In Graz, BC, Biru Kirusai, Dark Blue, Highline, Pure Imagination, Monk's Mood, Le Crest, Our Day Will Come, Going to the Sun.
Jim Rotondi (tp, flh), Joe Locke (vib), David Hazeltine (p, elp), David Wrong (b), Carl Allen (dm)
Enregistré le 15 juillet 2015, New York
Durée : 1h 04’ 13’’
Smoke Sessions Records 1602 (www.smokesessionsrecords.com)

Voilà, un excellent disque bop de Jim Rotondi (Jazz Hot n°663). L'atmosphère n'est pas sans faire penser aux séances Blue Note avec Bobby Hutcherson, rôle ici tenu par Joe Locke. C'est le cas dans «Monk's Mood», la meilleure plage de l'album où David Hazeltine swingue bien. Ce pianiste a un bon feeling et sait rester sobre quand il faut, notamment dans «Dark Blue» où le bugle du leader est dans la lignée lyrique de Freddie Hubbard. On notera la courte citation du «Vol du Bourdon» dans le solo de piano de «In Graz» (dédié à la ville autrichienne où enseigne Rotondi). Hazeldine est l'auteur du bon thème, «Highline», la majorité des autres est signée Rotondi. Joe Locke est partout excellent et cette séance avec vibraphone au lieu d'un sax donne une couleur sonore très plaisante. Jim Rotondi a, outre l'inspiration, une excellente maîtrise du bugle et de la trompette avec une belle qualité de timbre (sombre). Il est très proche de Freddie Hubbard («BC» – pseudo blues de 16 mesures –, «Our Day Will Come», etc), c'est dire le niveau. Tout le monde s'exprime en solo, même Carl Allen («Highline») et David Wong («Le Crest»). Le texte du livret est une interview de Jim Rotondi. Bref, les amateurs de Jim Rotondi et... Freddie Hubbard ne seront pas déçus.

Titres détaillés dans le livret
Louis Armstrong (tp, voc), Jack Teagarden (tb, voc), Barney Bigard (cl), Dick Cary, Earl Hines (p), Arvell Shaw (b), Sid Catlett (dm), Velma Middleton (voc)
Enregistré entre le 16 octobre 1947 et le 2 mars 1948, New York, Nice, Paris
Durée : 3h 49’ 22’’
Frémeaux & Associés 1364

Le nom de Louis Armstrong est désormais attaché à celui de son «All-Stars». Il s'engage dans le rôle de l'ambassadeur international du jazz le plus indiscutable dans ses ingrédients. On débute par une séance de 4 titres pour RCA, versions différentes de thèmes joués dans le film A Star is Born. Les deux meilleurs sont «Please Stop Playing Those Blues» et surtout «A Song was Born» (le drive foudroyant de Louis à la trompette prouve qu'il n'était pas l'instrumentiste fini que voulaient faire croire les tenants du progressisme). Bien sûr le maître est en train de roder une stratégie de concert et une routine de répertoire illustrée par la retransmission depuis Carnegie Hall (le 15 novembre 1947) où après un indicatif (pour l'heure : la trompette massive de Satchmo dans le blues, «Back O'Town Blues»), il y a les fameuses «spécialités» des membres du groupe («Body and Soul» par Barney Bigard, «Stars Fell of Alabama» par Mr Tea). La présence et puissance de Louis Armstrong balaye tout dans «Rockin' Chair». L'éditeur a choisi de ne pas inclure l'intégralité de ce concert pour ne pas faire trop de doublons (le but est pourtant celui de l'intégrale). Cette réédition documente bien le retour triomphal de Louis Armstrong en France, d'abord au Festival International de Jazz de Nice puis en concert à Paris. Double indispensabilité donc, puisque, outre la splendeur de Louis Armstrong bien entouré, ces documents sonores immortalisent (pour ceux qui s'y intéressent encore) une manifestation nouvelle en jazz, promise (on ne le sait pas encore) à un avenir (qui contribuera à la perte du genre par buts trop lucratifs) : le festival de jazz, célébration sur plusieurs jours. Nous sommes donc de plein pied dans l'histoire. Michel de Bry et Paul Gilson se sont occupés de la Radiodiffusion Française, Paris-Inter, Poste Parisien et autres (BBC, Radio Monte-Carlo, RTB, des radios suisses, scandinaves, tchèques, d'Autriche et Hongrie), ce qui permit de préserver des moments essentiels de l'évènement. Hugues Panassié fut chargé de la programmation et pour lui, Louis Armstrong s'imposait (à juste titre) pour une manifestation de ce genre. En dehors des salons de l'hôtel Negresco pour la finale, Nice a mis à disposition l'Opéra et le Casino. La fin du CD1 aborde le «Gala Constellation 48» (référence à l'avion, fleuron d'Air France, partenaire du festival) donné par le All-Stars redevenu Hot Five, à l'Opéra, le 22 février 1948. Louis Armstrong est étourdissant de puissance dans «Rockin' Chair». Des «spécialités» encore comme ce remarquable «Boogie Woogie on the St. Louis Blues» par Earl Hines et Arvell Shaw très en forme, «Rose Room» par Barney Bigard, modèle de sonorité de clarinette, et Sid Catlett. Le CD2 débute par le désormais incontournable indicatif, mais ici joué en entier, «When It's Sleepy Time Down South» et un problème technique de prise de son (la trompette de Louis est impériale et généreuse!). La qualité de son est inégale d'un titre à l'autre, par exemple le 23, entre «Mahogany Hall Stomp» (Louis repend avec classe son solo historique avec note tenue) et «Royal Garden Blues», mais il est hors de question de chipoter l'histoire, on s'incline! Tout le groupe est en forme, galvanisé par l'ambiance, donc tout est du jazz d'envergure. Le CD3 propose des extraits du concert du 2 mars à Paris retransmis par Paris-Inter (à noter la note loupée de Louis dans «Dear Old Southland», rendant le génie humain). A suivre.

A Little 3/4 Time for God & Co, Vacushna, I Am Love, Everything Happens to Me, The Truth, Little Girl Blue, They Can't Take That Away from Me, Vacushna (Reprise), How High the Moon, I'll Take Romance, Unidentified, Out of This World, Oh Them Golden Gaters, Red Sails in the Sunset, Someone Stole My Chitlings, Deed I Do, Dorene Don't Cry, Come on and Get That Church
Les McCann (p), Herbie Lewis (b), Ron Jefferson (dm)
Enregistré le 28 juillet 1961, Paris
Durée: 2h 07' 19’’
Frémeaux & Associés 5635 (Socadisc)

Les McCann (né en 1935) qui a débuté au tuba dans une fanfare, est vite devenu à partir de 1958 un pianiste populaire à la tête d'un trio porté par la mode dite «funky» et «soul» en réaction à la précédente dite «cool». On disait aussi «churchy» à l'époque (le dernier titre est explicite : «Come on and Get That Church»). Comme le rappelle le livret, ce trio fut la «révélation» du deuxième festival d'Antibes, en juillet 1961, peu de temps avant cet enregistrement réalisé en club, au Caméléon. L'ambiance en club est bien présente ici, avec la tendance qu'on y trouve d'y faire durer le plaisir : un «How High the Moon» de 11'33» et un «Out of This World» de 10'29» qui comptent parmi les bons moments de ce double CD. Il est difficile de placer Les McCann au même niveau qu'un Bud Powell, vedette du Blue Note, et d'un Memphis Slim, star des Trois Mailletz, mais sa musique s'écoute sans déplaisir. Du «easy listening». McCann peut être low down et répétitif («A Little ¾ Time for God & Co»), et il sait swinguer («Vacushna», «Oh Them Golden Gaters», «Someone Stole My Chitlings»). Il n'est pas sans évoquer Ray Charles («The Truth») ou Erroll Garner, non seulement par des grognements et un certain sentimentalisme ici ou là (longue introduction à «Red Sails in the Sunset»). Les «fabricants de musique» qui l'entourent sont louables : Ron Jefferson est notamment en valeur dans «Unidentified», et Herbie Lewis dans «Out of This World» et «Deed I Do». Le programme, comme souvent, alterne standards et compositions personnelles de Les McCann. Un trio beaucoup plus concerné par le cœur du jazz que la quasi-totalité des groupes actuels de ce type.

Titres et personnels détaillés dans le livret
Enregistré entre le 17 décembre 1927 et le 5 octobre 1960, New York, Chicago, Oakland, Houston, Aurora, Los Gatos, Los Angeles, Cincinnati, Detroit, Englewoods Cliffs
Durée : 2h 08’ 58’’
Frémeaux & Associés 5480 (Socadisc)

Partir d'un fait social pour une compilation musicale donne des résultats aussi discutables qu'hétérogènes comme Bruno Blum sait le faire pour le même label. Là, à l'inverse, comme le genre musical est clairement circonscrit, le résultat musical est homogène et cohérent. Le fil conducteur n'est qu'un prétexte à la sélection des titres. Les paroles de blues ne sont pas les seules à véhiculer la «contestation» puisque le «country (folk)» a milité aussi, ainsi que la bonne chanson en général (on pense à Boris Vian). Les paroles de blues sont bien plus diverses comme le livre Le Monde du Blues de Paul Oliver (1962, Arthaud) le démontre, abordant tous les sujets (inondations, etc). Le thème choisi n'était pas simple. A l'exception tardive de Lead Belly (qui cite Bunk Johnson dans «Jim Craw Blues», 1944), Josh White, Sonny Terry qui fréquentaient les chanteurs folk engagés (Woody Guthrie) soutenus par une fraction blanche «libérale», puis Big Bill Broonzy («Black, Brown and White») et J.B. Lenoir, «aucun Noir ne se serait avisé de protester» (Paul Oliver). Donc, la sélection faite pour illustrer ces «temps difficiles» n'est pas le commentaire socio-politique auto-censuré (pour le disque), mais l'expression de ses conséquences ressenties (discrimination – Jim Craw –, pays ingrat – Uncle Sam –, chômage, prison, etc.) et de ses espoirs (Roosevelt). Les auteurs du livret, Jean Buzelin et Jacques Demêtre, commencent par citer LeRoi Jones (peu recommandable comme la nécrologie de Jazz Hot l'a démontré): «Le blues...c'est en premier lieu une forme poétique et en second lieu une façon de créer de la musique». Pour le signataire le premier rôle du blues est celui présenté comme second : musical. Et de ce point de vue, ce coffret est un régal. Outre ce que nous avons cité, signalons : «Uncle Sam Says» (guitare de Josh White), «Uncle Sam Came And Get It» (Sammy Price, p!), «The Number of Mine» (pianiste et la basse de Ransom Knowling), «Cell no13 Blues» (Big Maceo, p, Buster Bennett, as), «County Jail Blues» (Tampa Red, g), «I'm Prison Bound» (Lowell Fulson, g/voc), «Penitentiary Blues» (Lightnin' Hopkins, g,voc), «Jim Crow Train» (Sonny Greer, dm), «Back-Water Blues» (Bessie Smith), «Florida Hurricane» (Sunnyland Slim, p, Muddy Waters, g), «Don't Take Away My PWA» (Horace Malcolm, p), «Walfare Store Blues» (Joshua Altheimer, p), «Back to Korea Blues» (Sunnyland Slim, p), «President's Blues» (J.T. Brown, ts, Sammy Price, p!), «The World Is In A Tangle» (Ernest Cotton, ts), «The Big Race» (Memphis Slim, p), les trois titres par Champion Jack Dupree (dont «Warehouse Man Blues» avec un très bon bassiste), plus encore «Crazy World» (Julia Lee, p/voc, Baby Lovette, dm avec Vic Dickenson et Benny Carter en duo de trombone!) et ««Hard Time Blues» (Edmond Hall, cl, J.C. Higginbotham, tb, Hot Lips Page, tp)! Choix arbitraires car tout est bon.

Jolie Môme, Elle ou moi, Madame rêve, Eu sei que tu amar, Allée des brouillards, Before the Dawn, Oralice, Both Sides Now, C’était bien, A bout de souffle, But not for Me, Encore, 13 septembre

9 titres (voir livret)

You Fly Around My Skin, Quand se dévoile l’abîme où veut mon cœur t’emprisonner, The Most Beautiful Day of Our Life Could Be Now, L’Etrange réunion, Les Mains dans les poches, La Parisienne, Pirate
Dominique Fitte-Duval (ss), Benoît Martin (key), Yoann Godefroy (b), Jean-Baptiste Palies (b)
Enregistré en 2015, Paris
Durée: 1h 15’
BBO JAZZ 0002 (dominiquefitteduval.com)

Le saxophoniste Dominique Fitte-Duval est venu assez tard au jazz, jouant du sax ténor en autodidacte; il étudie sérieusement la musique à 37 ans, en 1996, suit un cursus d’instrument, orchestre et arrangement à L’ARPEJ, tout en jouant dans les clubs. En 1999, il lance une jam session hebdomadaire au club Les 7 Lézards, qui devient un concert à part entière. Deux ans plus tard, il crée le Big Bœuf Orchestra. En avril 2004, il crée l'association BBO JAZZ, reprenant les initiales de son orchestre, en en changeant le sens, lequel devient le Le Bien Bel Orchestra. En 2005, il enregistre Night Harmony en grand orchestre avec vingt-deux musiciens. Et le voici à la tête de son quartet.
Au soprano, il a un son droit, sans vibrato, tirant vers le hautbois; un jeu sobre, sur toute la tessiture, sans effets ni envolées gratuites. Avance par petites phrases qui s’enchaînent dans la poursuite du discours, soutenu par une inspiration solide. Sur des tempos médium-rapides pour la plupart des morceaux. «The Most Beautiful Day…» ou encore «La Parisienne» sont assez emblématiques de ses qualités de saxophoniste et de compositeur-arrangeur, avec de beaux enchevêtrements sax-clavier.
Le pianiste s’exprime avec un jeu élégant et riche harmoniquement. Le contrebassiste possède un gros son avec attaques canon, il assoit le groupe de belle façon, si bien que les trois autres n’ont qu’à se laisser porter. Le batteur, d’un grand classicisme, connaît parfaitement son affaire, discret et efficace, toujours là où il faut.
Certes rien de révolutionnaire. On a affaire avec un jazz parfaitement dans la tradition et bien d’aujourd’hui, en ce sens que les musiciens s’expriment avec les canons de la modernité, sur des arrangements solides qui leur permettent de s’exprimer, d’aller au bout de leur chant en longs solos, dans une mise en place parfaite.

Ma ion, Pouki Pouki, O grande amor, Neige, Lulea’s Sunset, Full Moon in K., Vertiges, Body and Soul, Birsay, Time to Say Goodbye
Airelle Besson (tp), Nelson Veras (g)
Enregistré en 2014, Arles (13)
Durée: 47’ 47’’
Naïve 624911 (Naïve)

Airelle Besson
Radio One

Volga Boatmen, Naked City, Minor Moods, You’re Blase, The Breeze and I, Time on My Hands, Autumn Leaves, Ahmad’s Blues, The Party’s Over, Poinciana
Cecil L. Recchia (voc), Vincent Bourgeyx (p), Manuel Marches (b), David Grebil (dm)
Enregistré en juin 2013, Le Pré-Saint-Gervais (93)
Durée: 41’ 36’’
Black & Blue 804.2 (Socadisc)

Si un album-hommage à Ahmad Jamal est un projet naturel et légitime pour un pianiste, il est plus inattendu et audacieux de la part d’une chanteuse. C’est une sacrée bonne idée au vu du résultat, et c’est surtout se souvenir de ce beau disque chez Cadet, Ahmad Jamal With Voices (1967). Sans l’avoir entendue en live, ce qu’on ne manquera pas de faire le plus tôt, on peut donc déjà mettre au crédit de Cecil L. Recchia l’originalité du choix et la curiosité culturelle.
Elle a de plus posé des paroles sur des thèmes composés par le maestro et reprend également des standards ou traditionnels («Volga Boatmen») qu’Ahmad Jamal a immortalisé à sa façon si particulière.
Le livret, sans notes de pochettes (paroles de quelques morceaux), c’est dommage pour un premier disque, ne nous apprend rien de la jeune femme. Sur la toile, on apprend que la littérature américaine l’a conduite au jazz, confirmant la curiosité dont nous parlions, et qu’elle a étudié au CIM, à Paris, dont elle est originaire, qu’elle a monté son premier quartet en 2007. Deux ans plus tard, elle a participé à une série de concerts qui ont abouti sur le disque collégial Jazz à la récré (EMI). Enfin, Cecil L. Recchia, qui a suivi des master-classes avec Michele Hendricks et Barry Harris, est professeur de jazz vocal, ce qui suppose déjà une maîtrise certaine de cet art.
Dotée d’une jolie diction, d’une voie expressive et nuancée, d’un swing indéniable, elle s’est également parfaitement appropriée la musique d’Ahmad Jamal, comme interprète et comme arrangeuse, partageant la direction artistique du disque avec David Grebil. Il est à noter que le trio qui l’accompagne est dans l’esprit, notamment Vincent Bourgeyx qui a la délicate mission de prendre place au piano pour évoquer un Maître.
On apprécie bien sûr ce «Volga Boatmen» qui rappelle le Ahmad Jamal historique de 1956, y compris dans le tempo et la manière de Bourgeyx, mais le disque dans son ensemble fait référence aux interprétations du grand artiste, avec un respect certain des tempos, de l’esprit des interprétations d’origine. Bien entendu, il n’y a pas lieu de comparer (bien que ce soit nécessaire à la chronique), mais de chercher ce qui est original et bien approprié. L’original, c’est la voix et le projet en lui-même, et le mérite est d’exploiter un si beau répertoire pour lui redonner une vie somme toute très agréable.
Voilà donc un premier album de bon goût et d’une évidente maîtrise. Cecil L. Recchia n’est pas pour l’instant un projet marketing mais une musicienne de jazz. On apprécie!

CD1: Long Distance Call, Too young too Know, Honey Bee, Howlin’ Wolf, Country Boy, She Moves Me, My fault, Still a Food, They Call Me Muddy Waters, All Night Long, Stuff You Gotta Watch, Lonesome Day, Please Have Mercy, Who’s Gonna Be Your Sweet man, Sytanding Around Crying, Gone to Main Street, Iodine in my Coffee, Flood, My Life Is Ruined, Sad Sad day.
CD2: Baby Please Don’t Go, Blow Wind Blow, Mad Love, (I’m Your) Hoochie Coochie Man, I Just Want to Make Love With You, I’m Ready, Smokestack Lightning, Mannish Boy, I Got to Find my Baby, Sugar Sweet, Trouble No More, Forty Days and Forty Nights, All Aboard, Got my Mojo Working, Evil, She’s 19 Years Old, Close to You, Walking Thru the Park, Blues Before Sunrise, Mean Mistreater
CD3: Crawling Kingsnake, Hey Hey, Lonesome Road Blues, Southbound Train, Just a Dream, I Feel so Good, Woman Wanted, I’m Your Doctor, Deep Down in my Heart, Meanest Woman, I Got my Brand on You, Soon Forgotten, Tiger in Your Tank, I Feel so Good, Got my Mojo Working, Rock Me, Blow Wind, Blow, Real Love, LOnesome Room Blues, Messin’ with the Man
Muddy Waters (g, voc), Little Walter (hca, g), Junior Wells (hca), Big Walter Horton (hca), James Cotton (hca), Otis Spann (p), Jimmy Rogers (g), Hubert Sumlim (g), Pat Hare (g), Robert Jr. Lockwood (g), Luther Tucker (g), M.T. Murphy (g), Big Crawford (b), Willie Dixon (b), Andrew Stephen (b), Milton rector (b), Len Chess (dm), Elgin Evans (dm), Willie Nix (dm), Fred Below (dm), Francis Clay (dm), S.P. Leary (dm), George Hunter (dm), Al Duncan (dm), Marcus Johnson (ts),
Dates et lieux d’enregistrement précisés dans le livret
Durée: 1h02’ 07’’ + 57’ 49’’ + 1h 05’ 10’’
Frémeaux & Associés 273 (Socadisc)

Sous la direction de Gérard Herzhaft et Patrick Frémeaux, la maison Frémeaux & Associés poursuit son œuvre encyclopédique en proposant un second volume consacré à Muddy Waters, accompagné d’un livret de vingt-quatre pages. Le premier volume retraçait la période 1941-1950 et la première partie de la carrière de McKinley Morganfield, évoquant la plantation de Stovall, sa rencontre avec Alan Lomax jusqu’à son arrivée à Chicago et sa rencontre avec les frères Chess et leur label «Aristocrat». A cette époque, le format guitare, basse, batterie et harmonica était déjà bien installé. Avec l’électrification de sa guitare, Muddy Waters mettait le Chicago blues en route. En agrégeant le piano à son combo, il constituait la matrice de sa forme d’expression.
C’est en 1951 qu’apparaît Otis Spann (p) dans le paysage sonore de Muddy Waters. Le premier CD de ce nouveau volume expose ainsi le travail de l’ancien fermier avant l’arrivée du pianiste. Les quatre premiers titres présentent le trio organisé autour de la guitare avec Little Walter à l’harmonica et Big Crawford (b). Le blues du Delta que produit alors Muddy prend grandement appui sur la dextérité de l’harmoniciste et intègre enfin le Top Ten des meilleures ventes de blues («Long Distance Call»,«Honey Bee»). Il poursuit dans la voie du succès avec «She Moves Me», un morceau qui n’a pas perdu de sa saveur intrinsèque. Au cours de cette période, la guitare de Waters brûle de plus en plus de distorsion pour évoquer ses passions au rang desquelles celui des femmes («Still a Fool»). C’est le moment où apparaît aussi Junior Wells (hca) qui succède à Little Walter après que celui-ci a lâché le groupe pour une carrière solo.
C’est donc sur le deuxième CD que nous retrouvons Otis Spann qui apporte une nouvelle énergie au groupe. Il permet au maître du blues de Chicago d’élargir son audience. Une autre rencontre accélère le succès du King of Blues, c’est celle avec Willie Dixon. Elle a lieu au club Zanzibar lors d’une répétition dans les toilettes pour ce qui allait devenir un des titre les plus dévastateurs de l’histoire de la musique dans son ensemble(«Hoochie Coochie Man»). Les chansons créées à cette époque ont marqué les musiciens du British Blues, comme les Rolling Stones, Fleetwood Mac, Chiken Shack («Mannish Boy», «I’m Ready») et même au-delà comme les Doors («I Just Want to Make Love to You»). La complicité entre le pianiste et Muddy se développe aussi avec les guitaristes Jimmy Rogers, puis Hubert Sumlim («Trouble no More»). C’est encore le chanteur natif du Mississippi qui va faire éclore un autre harmoniciste en la personne de James Cotton («Close to You»). A cette époque, Muddy Waters effectue sa première tournée en Angleterre avec les conséquences que cela va avoir sur de nombreux musiciens du Royaume Uni. Le troisième CD correspond un peu au chant du cygne de cette période avec des titres qui n’obtiennent pas le succès des morceaux précédents («I’m Your Doctor», «Woman Wanted»). C’est aussi l’ère d’un changement de public avec la passion des étudiants blancs et des vieux fans de jazz qui redécouvrent l’essence du blues. Il ne reste plus qu’à l’amateur de musique en général et de blues en particulier à attendre la livraison d’un troisième volume sur la vie de Muddy.

That’s All Right (Mama), Susie Q, Sleep Walk, You’re The One, Comin’ Home Baby, Flip, Flop and Fly, Only the Young, Polk Salad Annie, Bad Apple, Country Boy
James Burton, Albert Lee, Amos Garrett, David Wilcox (g), John Greathouse (key, voc), Will Mac Gregor (b), Jason Harrison Smith (dm)
Enregistré le 12 juillet 2013, Vancouver Island (Canada)
Durée: 1h 02’ 01’’
Dixiefrog 8774 (Harmonia Mundi)

Un petit album hors des sentiers du jazz, mais qui comprend des guitaristes de qualité. James Burton a officié aux côtés de Rickie Nelson, Elvis Presley, Emmylou Harris ou Gram Parsons. Albert Lee a accompagné Eric Clapton et les Everly Brothers, Amos Garrett Bonnie Raitt et Paul Butterfly, enfin David Wilcox a joué avec Maria Muldaur et de nombreux artistes canadiens. L’album, capté live lors du festival de Vancouver Island se concentre donc sur la guitare et les enchevêtrements des quatre musiciens sont du plus bel effet. «You’re the One». Le jeu tout en slide d’Amos Garrett sur «Sleep Walk» est particulièrement délicieux, «Only The Young» d’une pureté incroyable et «Comin’ Home Baby» un moment revigorant qui reprend bien cet esprit des sixties. Les autres morceaux sont plus dans une veine plus country blues, quand ça n’est pas purement country avec une mention particulière pour «Polk Salad Annie» du grand Tony Joe White. Un album d’une grande qualité artistique qui fera le bonheur des fans de la six cordes.

Time to Move, Bullfrog, She Loves Me, Mississippi John, Some Say, Time, Dead End Road, Would Ya Look at That Xar, Like a Sunny Day, New Zealand, Miss Dorothy Lee, Mama’s Words, We’re Ready, Daisy
Big Daddy Wilson (voc, fingersnaps), Eric Bibb (bjo, g, b, voc) + personnel détaillé sur la pochette
Date et lieu d’enregistrement non précisés
Durée: 51’34’’
Dixiefrog 8775 (Harmonia Mundi)

Avec Big Daddy Wilson nous nous trouvons en présence d’un ardent défenseur du blues dit rural. Quand, en plus Eric Bibb se joint au projet, le doute n’est plus permis. Time est un album de blues apaisant, entièrement acoustique, rondement mené par Big Daddy et sa voix profonde comme une entaille dans la terre du Deep South. Il est accompagné par les habituels partenaires suédois d’Eric Bibb (Staffan Astner, Olli Haavisto, Petri Hakala, elg), son ami de dix ans. En ce sens, pas de fioritures ni d’excès dans l’expression. Comme on peut l’entendre dans le délicat «Mama’s Words». Une douce ballade qui évoque une mère d’une voix feutrée agréablement soutenue par Ulrika Ponté. «Like a Sunny Day», se positionne dans une veine plus énergétique, avec le soutien de Bibb à la guitare acoustique et Astner sur l’électrique. Les chœurs donnent à la composition une couleur très seventies dans l’esprit gospel qui lui colle si bien. C’est donc en fin de partie, avec New Zealand» et «Miss Dorothy Lee», que les décibels augmentent, toujours par la magie des phrases du guitariste suédois. Big Daddy et son ami Bibb nous offrent ainsi une belle virée dans le pays de «Mississippi John».

Kokomo Kidd*, Whish I Hadn’t Stayed Away So Long, Talking Just a Little Bit of Time, She Just Wants to Be Loved, Like Sonny Did, Lay Lady Lay, Little Red Rooster°, Maybe I’ll Go, Blackberry Kisses, Have You Ever Loved Two Woman°°, Cool Drink of Water, Bumblebee Blues, Wear Your Love Like Heaven
Guy Davis (voc, g, bjo, hca, perc, key), Professor Louie (org, p), John Platania (g), Mark Murphy (b, cello), Gary Burke (dm), Chris James (mandolin, g) Davis Helper, Miss Marie Spinosa, Audrey Martells, Zhana Roiya (voc), Charlie Musselwhite (hca)°, Fabrizio Poggi (hca )°°, Ben Jaffe (tuba)*
Enregistré à Hurley (New York)
Durée: 1h 01’ 55’’
Dixiefrog 8779 (Harmonia Mundi)

Guy Davis n’est pas un débutant. A 63 ans, il possède déjà une bonne dizaine d’albums au compteur. Ce bluesman dans l’âme continue de perpétuer la musique de ses glorieux aînés. Il opte pour une veine plus acoustique qu’électrique en usant de banjo, guitare et harmonica mais les instruments électriques ne lui déplaisent pas non plus. Ainsi sur Kokomo Kidd, on entend aussi bien l’orgue Hammond de Professor Louie, que la guitare électrique de Chris James ou John Platania. En parlant de ses partenaires, il est bon de préciser que l’organiste fut membre de The Band qui accompagnât Dylan en son temps. John Platania pour sa part, s’est fait la main aux côtés de Van Morrison pendant une longue période, il est notamment présent sur les albums Astral Weeks et Moondance. Ces deux informations donnent un éclairage précis sur le contenu de cet album. Que ce soit à la guitare ou au banjo, Guy Davis nous plonge au cœur du blues. Ses références portent sur Howlin’ Wolf, Mississippi John Hurt, Willie Dixon ou Sonny Terry. La couleur de l’album est très rurale, même sur des chansons pop-rock comme le très beau «Lay Lady Lay» de Dylan. L’artiste bénéfice de deux guests sur l’album et notamment Charlie Musselwhite («Little Red Rooster»), le grand moment de cet album. Fabrizio Poggi (hca), se fait entendre sur un titre original «Have You Ever Loved Two Women» où il reste bien dans l’esprit des Sonny: Terry et Boy Williamson. «She Just Want to Be Loved» avec orgue et chœurs constitue l’autre moment agréable de l’opus du bluesman de New York. Sa voix évoque Elliott Murphy, qui s’exprime lui aussi avantageusement dans ce registre. Enfin, sa reprise de Donovan, aux accents reggae, termine de nous convaincre de la qualité de son expression artistique («Wear Your Love Like Heaven»). Guy Davis un artiste qui plonge dans ses racines et qui n’a pas peur de rafraîchir son idiome. Pour info, le bluesman sera en concert en France au mois d’août.

In a Mist, Five, Buddy Bolden Blues, Here Comes The Band, Zutty's Memories, Bethena, Bush Street Scramble, Russian Rag, Wrap Your Troubles In Dreams, Dark Eyes
Jérôme Gatius (cl), Didier Datcharry (p), Guillaume Nouaux (dm)
Enregistré les 29-30 janvier 2016 (77)
Durée: 40’ 49’’
Enregistré les 29-30 janvier 2016, Soignolles-en-Brie (77)
Autoproduit GN2016 (www.guillaumenouaux.com)

Michel Laplace vous a déjà parlé des réussites discographiques récentes du clarinettiste Jérôme Gatius (Echoes of Spring en duo avec Alain Barrabès, p) et de l'incontournable Guillaume Nouaux en trio (La Section Rythmique avec David Blenkhorn et Sébastien Girardot): la rencontre de ces deux-là pour un nouvel opus, Here Comes The Band ne pouvait être que du même niveau. Avec la complicité pour compléter le «Band» de Didier Datcharry, pianiste (bien connu grâce aux frères Chéron), Gatius et Nouaux nous donnent un voyage musical où la qualité d'interprétation n'a d'égal que l'originalité du répertoire choisi. «In a Mist» débute le CD, avec un piano bixien à souhait, puis l'inattendu et joli vibraphone de Guillaume Nouaux avant d'évoquer Wilson-Hampton-Goodman grâce à la contribution de Jérôme Gatius. Inutile de préciser la «modernité» de Bix qui vaut celle du Bill Evans de «Five» qui suit et où notre clarinettiste n'est pas sans nous évoquer Buddy de Franco. Gatius nous avait déjà servi une composition de Willie The Lion Smith («Echoes of Spring»), en voici une autre, « Here Comes the Band» et Didier Datcharry démontre sa maîtrise du sujet. Remontant dans le temps, nous redécouvrons «Bethena» de Scott Joplin (avec le vibraphone de Guillaume) ; le classic rag ayant beaucoup pris à la musique dite «classique» occidentale, ceci explique le style polissé adopté par nos trois artistes. Et Guillaume Nouaux? Toujours l'égal de Gene Krupa («Dark Eyes») et de Zutty Singleton («Zutty's Memories»). Dans le monde musical d'aujourd'hui, ce CD est d'une fraîche "indispensabilité".

New J.B., Jacqueline, Montmartre Boogie Woogie, Sweet Louisiana/I'll Be Proud of You, Jojo, Buddy Bolden Stomp, Si tu vois ma mère/as-tu le cafard, Madame Bécassine, Wild Cat Blues, On the Sunny Side of the Street, Anitra's Dance, Song of Songs, Dans les rues d'Antibes, Summertime, Drums Fantasy, Petite Fleur, Sidney's Wedding Day, Les Oignons
Daniel Bechet (dm), Olivier Franc (ss), Benoît de Flamesnil (tb), Jean-Baptiste Franc (p), Gilles Chevaucherie (b)
Enregistré à Draveil (91)
Durée: 1h12’ 33’’
Autoproduction (bdfjazz@hotmail.com)

Cette autoproduction est à l'évidence destinée aux ventes d'après concert et, n'en doutons pas, les admirateurs de ces prestations éphémères seront heureux de garder ce souvenir. Il ne faut pas confondre ce CD avec celui du même groupe, portant le même titre, Sidney Bechet, ses plus grands succès, produit en février 2014 par Frémeaux & Associés et où figure sept titres identiques. Le problème est un peu le répertoire déjà bien exploité, et il est douteux que le jazzfan chevronné s'intéresse à une version de plus de «Petite Fleur» ou «Dans les rues d'Antibes», aussi bien enregistrée fusse-t-elle. Certes, l’amateur aura en mémoire la même heureuse instrumentation avec Sidney Bechet et Vic Dickenson (tb) qui sont le fondement du style d'Olivier Franc et Benoît de Flamesnil. On est surpris de trouver ce «New J.B.» (J.B. pour Jean-Baptiste Franc, compositeur de ce bon thème-riff) au nombre des plus grands succès du maître. Mais ce n'est pas le moins intéressant et comme tout le monde y joue (très bien) en soliste c'est une bonne entrée en matière. L'autre réussite est le thème-riff «Drums Fantasy» d'Olivier Franc où toute l'équipe est en valeur en solo, notamment bien sûr Daniel Bechet. On écoutera aussi les moindre succès de Sidney, mais pas moins plaisants : «Jacqueline» (parfait pour la qualité lyrique d'Olivier Franc), «Montmartre Boogie Woogie» (belle sonorité de Benoît de Flamesnil!) et «Sidney's Wedding Day» (bon solo en slap de Chevaucherie). Bonne idée de reprendre en Franc duo, «Song of Songs» (si délicatement enregistré en 1947 par Sidney avec Lloyd Phillips et qu'il avait joué déjà en 1919 pour George V). Il y a des imperfections («Sweet Louisiana/I'll Be Proud of You») ou du presque hors sujet (très sympathique «Jojo» de Daniel Bechet en trio, d'esprit Pr Longhair-James Booker...mais la très créole «Madame Bécassine» de Sidney annonce ce gumbo; l'excellent piano stride à la Donald Lambert, en solo, sur «Anitra's Dance» de Grieg... mais Sidney aimait «le classique»). A l'actif, il règne un enthousiasme galvanisant dans tout le disque.

Coffret de 6 CDs (titres et personnels détaillés dans le livret)

Part I-Acknowledgement, Part II-Resolution, Part III-Pursuance, Part IV-Psalm (alternate takes et version live: 22 plages au total)

Manhã De Carnaval, Take the 'A' Train, You and the Night and the Music, Jazz Voyage, Body and Soul, Bright Mississippi, Central Park West, Trane's Slow Blues, Infant Eyes, Joy Spring, The Peacocks
François Ripoche (ts), Alain Jean-Marie (p)
Enregistré le 1_^er juin 2014, Nantes (44)
Durée: 47' 05''

Fried Pies, Band Introduction, Interlude, Sand Dune, The Lady in My Life, Cherokee, Good Morning Heartache, Down By The Riverside, Car Wash

My Kinda Love, Lazy Afternoon, S'posin', Where Were You in April, I Wish I Knew, Si tu partais, A Sunday Kind of Love, An Occasional Man, You Came a Long Way From St. Louis, Haunted Heart, Manhattan in the Rain, I'm Through With Love

Improtale 1, The Waver, Anne Blomster Sang, Improtale 2, B.Y.O.H., Tales From the Unexpected, Improtale 3, Fellini's Waltz, Improtale 4, The Surprise Answer, Interview with Goetz Buehler

Moxie, In a Sentimental Mood, Haitian Cotillion, Soft Target, Dear Toy, Clapping Game, Tag on the Train, Manhattattan
Jessica Jones (ts), Tony Jones (ts), StomuTakeishi (b), Kenny Wollensen (dm)
Enregistré le 12 janvier 2014, Brooklyn, New York
Durée: 52’ 16”
New Artists 1062 (www.newartistsrecords.com)

The Jessica Jones Quartet est une belle découverte. Né dans la mouvance de la musique d’avant-garde new-yorkaise, cette formation est dans la droite ligne de la musique des lofts des années 1960-1970. Elle conserve la fraîcheur de la conviction dans une histoire particulière du jazz, mais sans esprit de système, donc avec un vrai pouvoir créatif dénué, dans cet enregistrement, des clichés habituels, y compris ceux qu’on retrouve dans l’avant-garde. Ainsi est conservé dans ce disque, certains des aspects les plus fondateurs du jazz, comme la recherche d’une belle sonorité in the tradition, que ce soit celle de Sonny Rollins ou d’Ornette Coleman, non par mimétisme mais en référence. Tony Jones («Dear Toy») et Jessica Jones possèdent de beau sons et en usent («Tag on the Train»). Il n’y a pas non plus de refus systématique des structures traditionnelles du jazz, la mélodie, le thème et ses improvisations, la recherche de la beauté du son ou de l’idée («Moxie», «In a Sentimental Mood», «Dear Toy»), avec un respect des mélodies, de bons arrangements originaux, même si par ailleurs se font jour des recherches structurés dans l’esprit avant-gardiste qui n’ont justement aucune fadeur car elles ne sont plus gratuites mais enracinées. Le jazz free est aussi une musique de culture, et c’est ce qui le sépare des musiques improvisées, savantes ou actuelles.
Difficile d’en savoir beaucoup sur le plan biographique, si ce n’est que Jessica Jones, la directrice de ce groupe, a rencontré Don Cherry en Californie où elle résidait avant de s’intaller à Brooklyn depuis bientôt 20 ans et qu’elle adore le Wayne Shorter qui jouait chez Art Blakey. La cinquantaine, elle a travaillé avec Joseph Jarman, Cecil Taylor, Steve Coleman, Don Cherry, Peter Apfelbaum et Connie Crothers qui dirige le label New Artists de cet enregistrement.
Tony Jones, la soixantaine, est son époux. Il a côtoyé, entre autres Joseph Jarman, Muhal Richard Abrams, Cecil Taylor et Don Cherry. Excellent arrangeur et compossiteur, il a de son côté produit récemment un enregistrement en trio (Pitch, Rhythm and Consciousness).
Les deux ténors sont très complices, dans la vie au sens large, et la musique en est un résultat, fort bien construite autour de cette osmose entre les deux beaux sons de ténor et des idées partagées ou échangées. Les improvisations, loin de tout esprit bruitiste, propose une belle musique de jazz, qui nous rappelle tout ce que le jazz de l’époque dite «free» a pu et peut encore apporter de beauté authentique, avec ses retours parfois à des racines plus anciennes, loin de toute volonté systématique de surprendre ou de provoquer, de tourner en dérision par simple absence de projet.
Ce bon quartet – le batteur Kenny Wollesen (John Zorn) est aussi très musical, le bassiste Stomu Takeishi (Randy Brecker, Dave Liebman, Henry Threadgill) est original – propose une véritable musique affirmative, construite, originale, qui reprend les caractères essentiels de l’histoire du jazz, swing et blues compris, jusqu’à nos jours, avec une volonté de recherche qui ne se prive pas des racines, sans tomber dans la reprise aussi d’une esthétique unique que ce soit celle du new orleans, mainstream, du bebop ou, ici, du free, empruntant simplement des influences, pour développer la musique de leur époque, au tronc commun du jazz tout entier.
Du jazz, en somme, comme on l’aime, authentique, sincère, direct et à la recherche de la beauté, intérieure et extérieure, et c’est de cette manière que cette esthétique free a le plus de chance de se renouveler, comme les autres esthétiques du jazz.
Cette formation joue surtout dans les lieux et cadres répertoriés avant-garde (du Knitting Factory Festival au Vision Festival). C’est dommage que les grands festivals de jazz aujourd’hui en Europe, en particulier, ne soient plus en capacité, par ignorance ou esprit de chapelle ou mercantilisme-consumérisme, de proposer des programmes qui réunissent toutes les esthétiques du jazz – et seulement du jazz, c’est déjà un gros chantier – pour permettre aux musiciens les rencontres et découvertes mutuelles; pour permettre aux amateurs de comprendre cette histoire fabuleuse, les filiations, la lente maturation et le renouvellement de la culture, loin de la nouveauté médiatisée et éphémère; pour permettre enfin aux festivals de reconstruite un vrai public de jazz, connaisseur et respectueux de toute l’histoire du jazz sans esprit sectaire et sans superficialité consommatrice.
Quoi qu’il advienne, et nous sommes raisonnablement pessimistes sur ce dernier chapitre (Roland Kirk ne pourrait pas exister aujourd’hui autrement que dans un cirque ou dans une émission spécialisée), il reste ce type de bonne formation et ces bons musiciens pour prolonger l’histoire du jazz dans toute son épaisseur. Bravo et merci à eux. Puissent-ils résister longtemps et nous donner d’autres bons enregistrements et concerts en conservant le même esprit qui règne dans ce disque!

Sunday Afternoon, The Shout, Dynamo, The Gypsy, Strollin', Silver, All of You, Blue Moon, Autumn Rain

Slinky, Chap Dance, Hangover, Museum, Season Creep, Get Pround, Enjoy the Future!, Mr. Puffy, Past Present

CD1: Finger Pickin’, Far Wes’, Old Folks, Hymn for Carl, Falling in Love with Love, Jingles, Yesterdays, ‘Round Midnight, Airegin, Four on Six, West Coast Blues, In Your Own Sweet Way, D-Natural Blues, Work Song; CD2: West Coast Blues, Yours Is My Heart Alone, Movin’ Alone, Body and Soul, Tune-Up, While We’re Young, Twisted Blues, Cotton Tail, Repetition, Delilah, Full House, Blue’N’ Boogie

Aaron & Allen, Seul compte l’instant présent, Piazza Armerinia, Present Times, Lost Roadnook, Le Vin noir, L’Etang des iris, Coming Times, Joyful Breath

Coffin for a Sequoia, Litany for an Orange Tree, Who Planted This Tree°, Les Douze Marionettes, Urbex*°, Matropolitan Adventure, Walking On a Vibrant Soil, Wandering #1, Metropolitan Adventure (reprise), Moon’s Melancholia, Ode to My Moon*

Blue Skies, Ain't Doin' too Bad, Ain't no Sunshine, Fields of Gold, Baby I Love You, Honeysucckle Rose, Route 66, Bridge Over Troubled Water, Chain of Fools, Fever, Autumn Leaves, Fine and Mellow, Cheek to Cheek, It Don't Mean a Thing, Late in the Evening, Next Time You See Me, Waly Waly, Take Me to the River, Nightbird, People Get Ready, The Letter, Son of a Preacher Man, Stormy Monday, Tall Trees in Georgia, Something's Got a Hold Me, Time After Time, Over the Rainbow, You're Welcome to the Club, Caravan, You've Changed, What a Wonderful World, Oh, Had I a Golden Thread

My Soul My Sol, When You Are with Us, Lover Come Back to Me, Sud, Origin Drum Solo, Lady Sings the Blues, SMS, Song for Anne, Jeudi 12, The Man I Love

This Thing, Scatter, Pop It, Into the Gloaming, For Satie, Seven Below, Not My Lover, Clem’s Key, I love Paris, La Javanaise

Interlude, The Faction of Cool, Super City, Shirley, Film noir Interlude, Ferrari, Seeing Through the Rain, Close the Action, Kats Eye, Street Vibe, Twilight Interlude, Sanctuary